ORO NEGRO

Este documental dirigido por los británicos Nick y Marc Francis y estrenado en el año 2006, muestra las condiciones de los cultivadores de café en Etiopía y se presenta como un alegato por el comercio justo. Entre la fuente de origen y el punto de venta hay muchos intermediarios que dificultan la comercialización ya que rebajan aún más las pocas ganancias de los agricultores, por ello es necesaria la intervención de personas como Tadesse Meskela, líder de una cooperativa, a quien se ve en el documental cómo viaja a Estados Unidos y a Inglaterra para promocionar el café etíope, uno de los mejores, y así conseguir que los campesinos obtengan unas condiciones dignas de trabajo.

En el documental se hace una crítica a las multinacionales, en concreto a las del café, que controlan una industria que mueve 80 000 millones de dólares anuales. “Starbucks, Sara Lee, Procter & Gamble, Kraft y Nestlé declinaron la invitación de aparecer en el documental, pero cuando supieron que el filme iba a tener distribución mundial, quisieron dialogar e iniciaron campañas para convencer a sus clientes de que pagaban un precio justo a los campesinos. Nunca llegaron a las amenazas, pero sí tuvimos cierta presión por hacer este trabajo”, comentaron en su momento los hermanos Francis.

Para ponernos en situación, un trabajador etíope del café gana menos de dos dólares al día y sólo reciben entre el 1 y el 3% del dinero que pagamos por un café. Los directores aseguraron que sólo ser consciente de este hecho es el primer paso para crear conciencia y que gracias a la película y otras iniciativas en los últimos años se ha doblado el precio que se paga por el café, y los agricultores han podido recibir seis veces más de lo que ganaban.

¿Has pensado alguna vez de dónde sale el café? Esta es la frase con la que termina el tráiler y la cual define perfectamente el contenido del documental. “Nuestro objetivo es que el consumidor mire dentro de la taza de café y piense que una sola taza repercute en el sostén de millones de personas que luchan por sobrevivir”, explicaron los hermanos Francis. Ver el documental lleva a cualquier persona, aunque sea, a cuestionarse cosas que hasta ahora no se había parado a pensar. Seguro que muchas personas no sabían que el simple acto de tomarse un café podía afectar a tantas personas que están detrás de ello, por ello aconsejo a todo el mundo a que lo vean y por lo menos ser conscientes de esta situación.

XVI PREMIOS JOSÉ MARÍA FORQUÉ

La XVI gala de los premios Forqué tendrá lugar el próximo 17 de enero y se espera que Verónica Forqué, hija de José María Forqué, fundador de Egea, acuda a la gala. Estos premios están organizados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Españoles (Egeda), se encuentran entre los más prestigiosos de España y ser premiado en ellos puede significar la antesala de los Goya.

En su página oficial podemos ver cúal es el objetivo y la dotación económica de estos premios: El premio nace con el doble propósito de ayudar a difundir la importancia de la industria audiovisual española y de impulsar la figura del productor cinematográfico. La dotación económica del Premio Cinematográfico José María Forqué al mejor largometraje es de 30.050 euros, destinados a la compañía productora del film ganador. http://www.premiojosemariaforque.com/

Los encargados de anunciar las películas finalistas fueron los actores Imanol Arias y María Estévez quienes anunciaron que las películas finalistas son:

   "Lope" de Andrucha Waddington

   "Buried" de Rodrigo Cortés

   "Entre lobos" de Gerardo Olivares

   "Pa negre" de Agustín Villaronga

   "También la lluvia" de Iciar Bollaín

En cuanto a los actores que optan al premio al mejor intérprete se encuentran Eduard Fernández, Luis Tosar, Unax Ugalde, en el apartado masculino y Emma Suárez, Nora Navas y Belén Rueda en el apartado femenino.

La medalla de Oro de Egeda fue para el productor Luis Megino, que posibilitó películas como 'Mi querida señorita' o 'Demonios en el jardín'.

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS

Gloria Conde/ El 26 de septiembre 2008 se estrenaba en España El niño con el pijama de rayas, una película dirigida por Mark Herman y basada en la novela del escritor inglés John Boyne, "The Boy in the Striped Pyjamas".
La película, producida por Miramax Films, aborda el tema del Holocausto judío durante la II Guerra Mundial.

Entre su elenco de actores destacan Asa Butterfield (Bruno), David Thewlis y Vera Farmiga (padres de Bruno), Amber Beattie (Gretel), Richard Jonson y Sheila Hancock (abuelos de Bruno) y Jack Scanlon (Shmuel).

La película se remonta al año 1942 en la ciudad de Berlín. Bruno, un niño de nueve años, es ajeno a todas las atrocidades y crueldades que su país está ejerciendo en Europa. Su padre, comandante de un campo de concentración, asciende en su trabajo y se trasladan a vivir a una casa de una zona aislada donde no tiene niños con quien jugar.

Sin embargo, todo cambiará cuando Bruno descubre dentro de ese inmenso campo un alambrada tras la cual había personas con un uniforme similar a un pijama de rayas. Es así como conoce a Shmuel, un niño judío con el que mantendrá una amistad secreta y cuyas consecuencias serán demoledoras.

El niño con el pijama de rayas es, sin duda alguna, una película conmovedora porque ofrece la visión del horror, la crueldad y la injusticia del Holocausto a través de los ojos de dos inocente niños, capaces de tocar la fibra de la sensibilidad a cualquiera.

Es precisamente el final de la película, el que contiene una imagen que se queda grabada en la retina para el recuerdo; los dos niños con el pijama de rayas y otro grupo de judíos más metidos en una cámara de gas, creyendo que se encontraban en un refugio para protegerse de la lluvia y no podían imaginar en ese momento lo que les iba a suceder minutos después.

Creo que cualquiera que haya visto esta película se ha preguntado al terminar de verla, cómo a lo largo de la historia se han cometido atrocidades de esta magnitud, asesinatos de este calibre, cómo pudo haber personas que realizaran estas masacres.

Aunque no se tiene un cifra exacta, se calcula que durante el Holocausto o Solución Final (terminología del Estado nazi) murieron más de seis millones de judíos. Además gitanos, soviéticos, eslavos, comunistas, discapacitados y homosexuales, entre otros, también perdieron la vida.

Gas venenoso, horcas, balas, hambre...fueron algunas de las despiadadas muertes que sufrieron muchas de las víctimas. Y todo por una aberrante ideología que consideraba que los judíos eran el origen de todos los males y establecía la supremacía, por encima de todas las cosas, de la raza aria.

Al menos, después de repasar capítulos de la historia como éste, pienso que en algo sí que hemos avanzado.

EL SEÑOR DE LA GUERRA

El director Andrew Niccol destacó en la cartelera del 2005 con su película EL SEÑOR DE LA GUERRA, película que desde un principio me pareció fascinante y que me hizo plantearme muchas cosas tras verla.

Yuri Orlov (Nicholas Cage) es un inmigrante ucraniano en Estados Unidos que decide, un buen día, dedicarse al tráfico de armas para hacer fortuna. Yuri lucha por conseguir todo lo que se le pone entre ceja y ceja. Su carácter pausado, educado, racional, le ayuda en sus negocios; y su habilidad para los idiomas y su temple, le hacen salir airoso en los peores momentos. Él tiene claras sus ideas y sabe que lo mejor para su negocio es mostrarse imparcial en todo conflicto para poder vender armas a ambos bandos. Su filosofía de “si no les vendo yo las armas, otro se las venderá” parece un intento desesperado de autojustificarse, aunque no parece que tenga remordimientos por las consecuencias de su negocio en ningún momento.

Nuestro traficante vende armas a los dictadores más sádicos de África, mientras mantiene una doble vida en la que ni su mujer ni su familia (sólo su hermano Vitaly) saben de su ocupación y miran hacia otro lado, a pesar del alto nivel de vida que mantiene, sin hacer preguntas. 

Casi desde el principio es perseguido por un idealista agente de la Interpol, Jack Valentine (Ethan Hawke) que busca poder encerrarle incesantemente, pero que no está dispuesto a burlar la ley para conseguir detenerle, debido a su extraordinaria integridad.

Cuando Gorbachov declara el fin de la Unión Soviética, se abre la veda para conseguir una cantidad ingente de armamento de estos nuevos países que aún no tienen gobierno ni lider, y es el momento en que Yuri aprovecha para tomar ventaja sobre sus competidores siendo el más rápido. 

El señor de la guerra denuncia estos hechos que se dieron tras el fin de la Guerra Fría en que sólo en Ucrania entre 1982 y 1992 se sustrajeron más de 32.000 millones de dólares en armas.

Es una película con moraleja, que desvela la hipocresía en la que vive el mundo.

“El mayor traficante de armas del mundo es su jefe, el actual Presidente de los Estados Unidos de América”. Extraordinaria verdad la que expresa esta frase de Yuri Orlov.

Resulta indignante su conclusión, siempre se ha dicho que el mal es algo necesario, pero cuando vi este largometraje me quedó aún más claro que las guerras son un gran negocio para todos, menos para sus víctimas. Gobiernos que se declaran como instauradores de la democracia en el mundo, son los primeros que juegan a vender armas para otras guerras y a los que les interesa que existan los traficantes para poder continuar su negocio, porque: sin armas en los dos bandos, no hay guerra y sin guerra no hay dinero.

Hace poco me enteré de que esta película está basada en un personaje real, Viktor Bout, “El mercader de la muerte”, cuya personalidad está bastante bien representada en la película por lo que he podido leer de él.

Bout niega ser traficante y dice dedicarse simplemente a transporte aéreo, pero hay datos que confirman que ha vendido armas al ex-dictador Charles Taylor de Liberia o a Bin Laden, al mismo tiempo que ha transportado alimentos para la ONU en otras zonas de África o tropas francesas para frenar la masacre de Ruanda . Es una persona, en este sentido, un tanto contradictoria.

Finalmente fue detenido hace un año y medio en un hotel en Tailandia y durante todo este tiempo Rusia y Estados Unidos han estado luchando por obtener su custodia, pero finalmente hace apenas un mes, el gobierno tailandés autorizó su extradición a EE.UU., decisión no exenta de críticas y de denuncias de presiones e ilegalidad.

8 LECCIONES SOBRE EL VACÍO CON FINAL FELIZ

Este documental es obra de la artista performance Marina Abramovic. Pertenece a una serie de trabajos que hizo la artista en Laos sobre Juegos Peligrosos en los que los protagonistas son inofensivos niños que el único juego que entienden y que conocen es el de la guerra. Representan los conflictos bélicos con tanta naturalidad, que a veces dan hasta escalofríos.

Con este video la artista serbia se cuestiona cuál es el impacto en la sociedad de las imágenes de la guerra y de la violencia que se muestran en la televisión, en el cine o en los video juegos, asimismo reflexiona sobre la realidad del mundo y en particular sobre la de los niños.

Ocho lecciones sobre el vacío con final feliz (Eight lessons on emptiness with a happy end) muestra la situación que sufren miles de niños en todo el mundo. Este documental nos muestra niños y niñas de Laos portando armas, en este caso son de juguete, y jugando a la guerra como si de cualquier juego inocente se tratara. En este caso se trata de una recreación en forma de “juego” para el documental, pero no debemos olvidar que en muchos otros lugares del mundo, los niños son raptados y obligados a llevar armas de fuego y se les obliga a utilizarlas para su propia supervivencia.

CIUDAD DE DIOS

Ciudad de Dios, dirigida por Fernando Meirelles junto con Katia Lund, es una película que relata el surgimiento y la consolidación del crimen organizado y el narcotráfico en Cidade de Deus, un suburbio violento de Río de Janeiro. La película está basada en una novela de Paulo Lins, basada en sucesos reales, que repasa la evolución de la delincuencia en esta favela a lo largo de tres décadas, desde los años 60 hasta los 80.

Una historia de rencores y envidias, de frustración y deseo, de enfrentamiento y violencia, de dolor y muerte, en definitiva, de desgraciada realidad. A lo largo de la película aparecen distintas tribus urbanas, de distintos comportamientos que acaban cayendo en la corrupción y que tienen en común las drogas como eje fundamental de su vida, ya sea como medio de supervivencia o como costumbre adictiva.

El film cuenta una historia cruda, terrible y de un horror tan diario y terrenal, como al mismo tiempo increíble y lejano para la mayor parte de los espectadores. Una serie de niños y jóvenes sesgan vidas y luchan por sobrevivir en medio una “ciudad sin ley”, en un mundo rodeado de muerte, donde la droga y las armas son las que mandan. Sin escapatoria, sin esperanza, el protagonista, Buscapé (un adolescente poco dispuesto a la violencia, al que le apasiona la fotografía) habrá de sobrevivir al desarrollo de ese mundo durante treinta años, a los amigos y enemigos que desaparecen y a los que permanecen. Buscapé termina retratando, como fotógrafo, esa misma realidad que le rodea.

En la película se aprecia una impunidad criminal desoladora, en un país que se cruza de brazos ante un imperio delictivo. Las buenas intenciones acaban fracasando por un nulo apoyo de la policía. La oposición que surge al narcotráfico acaba siendo consciente de su ineficacia. Una espantosa realidad en un mundo en el que los “héroes” son unos niños, asesinos, maestros de la delincuencia.

La película se estructura en tres partes: años 60, años 70 y años 80. Cada parte tiene su propio argumento y focaliza su atención en un personaje según su relevancia en ese determinado momento. Además, cada parte tiene su propio tratamiento estético, en el que intran en juego tanto la fotografía y la iluminación, como el montaje y la dirección, acompañados por ritmos musicales.

El carácter autóctono y el componente social e histórico de Ciudad de Dios muestran al espectador una dura y horrible realidad de las favelas brasileñas que a veces es desconocida por la sociedad. No sólo las circunstancias concretas que propician esta criminalidad le dan ese “toque” realista, sino que también el papel del reparto es determinante para ceñirse con acierto a su contexto. Los intérpretes son, en su mayoría, actores no profesionales, seleccionados para la ocasión, en su mayoría niños y adolescentes extraídos de distintas favelas brasileñas y, por tanto, conocedores de primera mano de la situación que recoge la película. Todo esto, permite apreciar la autenticidad en sus actuaciones y en muchos momentos, sobre todo entre los más pequeños, da la sensación de que no distinguen por completo cuándo están "jugando…” ante la cámara o cuándo están siendo ellos mismos como en su vida cotidiana, al margen del rodaje.

Es una película que nos muestra la “otra cara” de Río de Janeiro: un terrible “infierno” de drogas, violencia y crímenes organizados; frente al “paraíso” que tenemos en mente (por lo que nos ofrecen normalmente los medios de comunicación) de playas paradisiacas, samba, alegría… No sólo nos enseña una realidad desconocida, sino que también nos muestra otra forma de hacer cine, además, sudamericano, que es prácticamente desconocido, eso por no decir lo infravalorado que está.

Premio LUX 2010

Madrid está de suerte. Los cines Golem, Martín de los Heros nº14, proyectarán la película ganadora y las dos finalistas del premio LUX 2010 del Parlamento Europeo.

Tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de diciembre y será totalmente gratuito. Aqui os dejamos el programa y seguro que merecerá la pena la asistencia:

- 17 de diciembre, "Die Fremde". LA GANADORA. Directora Feo Aladag. Nominada a los Oscar 2011.

Aborda los derechos de la mujer a través de la historia de una joven de descendencia turca que lucha por llevar una vida independiente en Alemania a pesar de la oposición de su familia.

Habrá un debate moderado por el periodista Javier Tolentino (RNE-Radio 3) con numerosas personalidades europeas.

- 18 de diciembre, "Illegal" de Masset-Depasse. Narra el recorrido de Tania, una mujer rusa, con su hijo de 14 años, a quien las autoridades belgas deniegan el asilo. La mujer trata de luchar por una vida digna a pesar de la amenaza de deportación con la que vive.

- 19 de diciembre, "Akadimia Platonos" de Tsitos. Plantea el debate de la identidad nacional y de la aceptación de la comunidad.

Todas serán proyectadas a las 20:00 horas.

Este galardón cinematográfico concedido por el Parlamento Europeo premia a las películas que ilustren la universalidad de los valores europeos, la diversidad de la cultura europea o traten del proceso de construcción de la Unión Europea. Su primera edición fue en 2007 y la estatuilla es un rollo de película cinematográfica que forma una torre de Babel, como símbolo de multilinguismo y diversidad.

VUELVE PIRATAS DEL CARIBE

Gloria Conde/ Ya podemos ver las seis primeras imágenes de la nueva entrega de la saga de Walt Disney Pictures y Jerry Bruckheimer, Piratas del Caribe 4: En Costas Extrañas. La película, dirigida por Rob Marshall, ha sido rodada en Hawai, Reino Unido y Los Ángeles y se estrenará en España el próximo 20 de mayo de 2011.

Las tres primeras películas de la saga recaudaron 2.700 millones de dólares y en España 75 millones de euros. Esta nueva entrega de Piratas del Caribe 4, será la primera que se rueda y se exhibe en 3D.

En cuanto a los actores, Johnny Deep vuelve a dar vida al Capitán Jack Sparrow por el que fue nominado al Oscar. Además, esta vez se encontrará con una mujer de su pasado Penélope Cruz, y será capturado por el Queen Anne's Revenge, el barco del terrible pirata Barbanegra (Ian McShane). También participa en la película interpretando a un pirata cómico Óscar Jaenada, el ganador de un Goya por la película Camarón.

Disney, que ya desveló hace meses algunos detalles, afirma que la trama de la película girará sobre la búsqueda de la fuente de la eterna juventud. Será, según la sinopsis oficial, un relato “lleno de acción” que tratará sobre “la verdad, la traición, la juventud y la muerte”.

Habrá que esperar hasta el próximo 20 de mayo para vivir de nuevo las aventuras del Capitán Jack Sparrow, que ya se prevé que será un éxito. Con estas primeras imágenes la expectación está servida.

BOWLING FOR COLUMBINE

“Bowling for Columbine” es un documental dirigido y protagonizado por Michael Moore en 2002. Este documental parte de la masacre ocurrida en el Columbine High School en 1999 donde un grupo de alumnos mataron a tiros a muchos de sus compañeros. Moore hace un análisis de la cultura armamentística de los Estados Unidos. Ganó el Óscar al mejor largometraje documental en 2002.

El carácter crítico del documental se aprecia desde la primera escena en la que comienza diciendo lo siguiente: “Era la mañana del 20 abril de 1999, una mañana cualquiera en Estados Unidos, el granjero atendía sus tareas, el lechero hacía su reparto, el presidente bombardeaba otro país de nombre impronunciable… sí, era un día típico en los Estados Unidos de América”.

Comienza mostrando que en un banco del país si abres una cuenta bancaria te regalan un arma, así de fácil, y sobre todo destaca la normalidad con lo que se hace y con lo que se ve este tipo de cosas. Es escalofriante ver cómo la supuesta potencia líder del mundo tiene tan normalizado el uso de las armas, ¿no se supone que ellos, una sociedad supuestamente avanzada, deberían mostrar al mundo que la violencia es algo inadmisible, sea como sea el tipo de violencia? Entonces, puedes obtener un arma por hacerte una cuenta bancaria, y es algo legítimo, y sin embargo una cantante enseña su busto es un concierto y es un escándalo nacional… creo que esto deja que pensar.

Uno de los miembros de la Milicia de Michigan, estado en el que nació Michael Moore y que tiene una gran tradición armamentística, dice: “Estar armado es un tradición norteamericana, es una responsabilidad americana, si no vas armado no eres responsable, ¿quién defenderá a tus hijos? Tu trabajo es protegerte a ti y a los tuyos, si no lo haces no cumples tus obligaciones como americano”.

El tiroteo llevado a cabo en Columbine fue una tragedia y conmocionó a todo el país. ¿Cómo unos adolescentes son capaces de eso? Eso se preguntaba todo el mundo. En el documental hace una entrevista a uno de los directores de una de las grandes fábricas de bombas y armas para el gobierno, y Moore le pregunta que qué ve de diferencia entre lo ocurrido en ese instituto y la cantidad de masacres que ha llevado a cabo el gobierno de Estados Unidos en otros países. Él dice que no ve nada de relación entre ambas cosas, que lo que hace Estados Unidos es defenderse del enemigo o supuesto enemigo. Me llama la atención lo de supuesto enemigo, ¿qué quiere decir?, ¿qué han atacado sin razón aparente? Se supone que el gobierno da la orden de bombardear un país o atacarlo porque es un enemigo y por ello, hay que salvar al pueblo estadounidense del enemigo, del malo. Ese es el lema patriótico que impera. Pero, ¿realmente es así, ataca Estados Unidos para defenderse o hay otros intereses que priman por encima de que miles de civiles mueran?

Este documental, como todos los de Moore, intenta quitarle el disfraz a esa sociedad americana que se ha querido imponer en todo el mundo como la ideal. Son 120 minutos que te hacen pensar, meditar y hacerte preguntas sobre la clase de mundo en la que vivimos.

Cine en español en Nueva York

Hoy empieza en Nueva York el ciclo Spanish Cinema Now donde se proyectarán unas 20 películas de nuestros directores nacionales.  

Este 2010, varias películas elegidas tienen como tema común la Guerra Civil Española. A veces se centran en la guerra y otras en el período inmediatamente después o incluso simplemente se ve la influencia en los modos de actuar de los personajes.

Los largometrajes los podréis ver en el Instituto Cervantes, el teatro Walter Reade o la Sociedad de Cine Lincoln Center. 

El Ciclo empieza hoy con Pájaros de papel, película de Emilio Aragón, Todo lo que tú quieras de Achero Mañas y Los ojos de Julia de Guillem Morales.

Pero hasta el día 23, podrán verse también:

• También la lluvia
• Chico y Rita
• El Gran Vázquez
• Secuestrados
• Balada triste de trompeta
• Caracremada
• El cónsul de Sodoma
• 80 Egunean
• Lope
• Guest
• En el balcón vacío
• Elisa K
• Aita
• Izarren Argia. Estrellas que alcanzar
  

El Spanish Cinema Now incluye un ciclo "EL OJO SALVAJE" en homenaje al director AGUSTÍ VILLARONGA con sus películas más aclamadas y reconocidas:

• PA NEGRE
• TRAS EL CRISTAL
• EL NIÑO DE LA LUNA
• EL MAR
• ARO TOLBUHIN: EN LA MENTE DEL ASESINO

Este Ciclo se empezó a celebrar en 1992, cuando el séptimo arte tenía una producción en nuestro país de unos 40 films por año.  Hoy día, se cuentan por cientos, aunque no todas tienen la misma promoción ni oportunidades, pero iniciativas como esta ayudan a promover nuestro cine, nuestros directores y actores, más allá de nuestras fronteras. E incluso promociona nuestra lengua ya que también se han incrementado las colaboraciones con el cine latinoamericano.

El periódico El Mundo recoge hoy esta noticia incluyendo las palabras del director de la Film Society, Richard Peña:"¿Para cuándo una sala en esta ciudad (Nueva York) que proyecte películas exclusivamente en español?". Nuestra lengua está en expansión y la ciudad americana con sus casi tres millones de habitantes hispanos debería plantearse seriamente esta posibilidad.

Tenéis hasta el día 23 para disfrutar del cine español en Nueva York, los que tenéis la suerte de estar allí. Pinchad aquí para ver los horarios de proyección.

THE TOWN, CIUDAD DE LADRONES

Gloria Conde/ El pasado 29 de octubre se estrenaba en España The Town, Ciudad de ladrones, estrenada un mes antes en Estados Unidos. The Town, es una película dirigida e interpretada por Ben Affleck, el cual comparte escena con otros actores como Rebecca Hall, Jeremy Renner o Blake Lively, una de las protagonistas de la serie estadounidense “Gossip Girl”.

Es la segunda película que dirige Ben Affleck, desde que en el año 2007 nos presentara Adiós pequeña adiós. La película está basada en la novela “The Prince of Thieves”, de Chuck Hogan .

El escenario de la película es Charlestown, un barrio de Boston conocido por ser el refugio a lo largo de los años de múltiples ladrones de bancos, oficio que pasaba de padres a hijos. Un grupo de ladrones encabezado por Doug MacRay (Ben Affleck) y Jem (Jeremy Renner), quienes se trataban como hermanos porque era lo más parecido que tenían a una familia, asaltaban entidades bancarias y presumían de hacerlo de forma limpia y sin dejar ningún rastro.

Sin embargo, todo cambió después del último atraco de la banda, donde Doug MacRay conocerá a Claire (Rebecca Hall), la directora del banco, a la cual escogen como rehén para poder huir. Cuando Doug descubre que Claire vive en Charlestown, comienza a buscarla para asegurarse de que es lo que había visto ella. Y así fue como tiene lugar un encuentro entre ambos en una lavandería, donde comienzan a hablar y Doug se asegura de que Claire no ha reconocido su voz.

Más tarde comenzará entre ellos un apasionado romance, sin que el resto de la banda tuviera conocimiento de ello, así como Claire tampoco sabía que era Doug el ladrón que había atracado unos días antes el banco para el que trabajaba. La historia se complica cuando el agente Frawley (Jon Hamm) del FBI, comienza a pisarles los talones, así como la banda descubre también el romance de Doug.

The Town, te sumerge en mundo de violencia, disparos, dinero, persecuciones policíacas y amor; que consiguen mantener “enganchado” al espectador los 126 minutos que dura la película.

Además crea un marco de acción en el que se ve como en muchos casos las situaciones familiares y personales de los delincuentes son las que determinan, en gran medida, que acaben dedicándose a este tipo de acciones. En el caso de esta película, el oficio del atraco habían sido heredado de los padres, quienes estaban en la cárcel o, por el contrario ya habían fallecido. Además de proceder de familias desestructuradas y de ver en los robos una forma fácil de ganar dinero, otras realidades sociales como las drogas están presentes en la película.

Sentimientos encontrados, decisiones difíciles y coraje envuelven este segundo film de Ben Affleck.

"WINTER´S BONE" GRAN TRIUNFADORA DE LOS PREMIOS GOTHAM

La pasada noche  tuvo lugar la 20ª edición de los Premios Gotham en Nueva York. Estos premios son entregados por la Asociación de Cineastas Independientes de la Costa Este de Estados Unidos e inauguran la temporada de premios cinematográficos en Estados Unidos. Estos premios se especializan en nuevas voces y perspectivas de cineastas locales, nacionales e internacionales.

La ceremonia fue dirigida por Patricia Clarkson y Stanly Tucci y la gran triunfadora de la noche fue la película del cineasta Debra Granik, “Winter´s Bone”. Este film de cine independiente narra la historia de Ree Dolly (Jennifer Lawrence), una adolescente que intenta descubrir qué ha ocurrido con su padre, que está desaparecido y que todo hace indicar que estaba envuelto en asuntos turbios. “Winter´s Bone” ha conseguido el premio a la mejor película y al mejor reparto.

Otros de los premiados han sido:

Premio del público: “Waiting for Superman”

Mejor película inédita: “Littlerock”

Mejor documental: “The Oath”

Mejor intérprete revelación: Ronald Bronstein por “Daddy Longlegs”

Mejor realizador novel: Kevin Asch por “Holy Rollers”

Ya que nuestro blog trata sobre cine social, hacemos un mayor hincapié en “The Oath”, de Laura Potras, cinta que se ha llevado el premio al mejor documental por su forma de relatar los problemas de Afganistán, refiriéndose a Osama bin Laden, los atentados del 11 de septiembre de 2001, y la prisión de Guantánamo.

Estos premios han ido ganando trascendencia en los últimos años, y esperamos que, como ocurrió el año pasado con “En Tierra Hostil”, ganadora de los Gotham y que posteriormente se llevó seis Oscars, este año ocurra lo mismo con alguno de estos films.

Desde aquí, como siempre, felicitamos a todos los premiados y nos alegramos que el cine independiente tenga cada vez más seguidores.

LA VIDA LOCA

Christian Poveda en su documental La vida loca quería mostrar el lado humano de las maras salvadoreñas, en concreto de la “Mara 18”. Hay quien cree que consiguió mostrar ese lado humano de los grupos pandilleros y hay quien discrepa y piensa que no lo supo reflejar. Sin embargo, creo que Poveda no sólo quería mostrar la humanidad de esos pandilleros, sino que de forma indirecta quería denunciar la situación de las maras y que el gobierno salvadoreño tomara cartas en el asunto.

Poveda fue corresponsal de prensa en El Salvador durante la guerra civil (1980-1992). Se estima que la guerra dejó 75.000 muertos, en su mayoría civiles. Decenas de miles de personas resultaron heridas físicamente (como consecuencia de armas de fuego, explosiones, minas antipersonas, etc.) los cuales quedaron marcados con mutilaciones que los incapacitaron de por vida. Miles, también, resultaron con graves secuelas psicológicas (si se tiene en cuenta las violaciones a las que fueron sometidas incontables mujeres y las torturas y vejaciones que padecieron otros tantos hombres) y numerosos niños quedaron huérfanos de padre, madre, o ambos. Además, como consecuencia de la guerra, quedaron en manos de la población civil miles de armas de fuego, lo cual propició el surgimiento de las maras, dedicadas a la delincuencia y al tráfico de drogas, y que han hecho de El Salvador uno de los países (con ausencia de guerra) más violentos del mundo. Por otro lado, cerca de 500.000 salvadoreños se vieron obligados a abandonar el país.

Aunque han pasado veinte años desde que terminara la guerra civil en El Salvador, las maras continúan. La situación social de esos jóvenes sigue siendo la misma: chicos/as huérfanos, desprotegidos, faltos de cariño… que ven en esos grupos pandilleros su forma de vida.

Ésta es una situación social insostenible y que tal vez el cineasta franco español quería mostrar al gobierno y las autoridades salvadoreñas, para que éstas hagan algo para que la situación de estos jóvenes cambie y, por tanto, cambie a su vez la violencia que sufre el país.

La “falta de explicaciones” del documental corresponde a la misma ausencia de respuesta por parte del gobierno del país salvadoreño ante la situación de las maras.

Varios meses después de que Christian Poveda realizara el documental, fue asesinado en El Salvador.

Indagando por la red he podido certificar que el asesinato del fotoperiodista no está nada claro, aún está por resolver. Los altos cargos del gobierno apuntan que muy probablemente el homicidio sea cosa de las maras. Otros (ciudadanos salvadoreños sobretodo), en cambio, van más allá y señalan como culpable al gobierno del país. Un bloguero en concreto, piensa que Poveda fue asesinado por un sicario experimentado. “De golpe peligraban los negocios de la droga, de las armas…”, señala. Este bloguero junto con la Licenciada Merari Vergara Parada dejan varios interrogantes en el aire: 

¿Qué conocimientos y qué información había adquirido el periodista en sus investigaciones?

¿Quién mató a Christian Poveda? Y más importante aún: ¿por qué?

Aquí os dejo el enlace de este bloguero por si queréis echarle un vistazo. Me parece interesante lo que piensa, quizá no sea tan descabellado lo que dice (sabiendo la situación de corrupción por la que pasa El Salvador). 

http://pijazo.blogspot.com/2009/09/christian-poveda-un-crimen-mas-oscuro.html

Fuentes:

http://www.publico.es/internacional/248392/asesinado/salvador/fotografo/francoespanol/christian/poveda
http://pijazo.blogspot.com/2009/09/christian-poveda-un-crimen-mas-oscuro.html

Alejandro González Iñarritu

Desde mi punto de vista, y seguramente coincidan conmigo muchos, Iñarritu es uno de los directores más creativos, originales y profundos de nuestro tiempo. Sabe plasmar en sus películas lo más arraigado del ser humano, sus defectos y virtudes, y te hace ser partícipe del sentimiento.

"Amores perros" es una película de esas que cuando termina te hace pensar. La forma de hilar las historias es magistral, como ocurre en Babel. Jamás se queda en la superficie sino que desnuda las historias y los personajes. Siempre hay denuncias implícitas en sus películas, con lo que demuestra que es una persona comprometida en lo social y que no tolera las injusticias.

El director de "21 gramos" estrena nueva película: "Biutiful", con Javier Bardem como protagonista. Por este motivo, El mundo.es publica una entrevista digital en la que Iñarritu contesta a preguntas de diferentes personas. Siguiendo su trayectoria, seguro que Biutiful no dejará indiferente a nadie.

1. ¡Hola Alejandro! ¿Será 'Biutiful' tan trágica como '21 gramos', tan real como 'Amores perros' y tan perfecta como 'Babel'? Enhorabuena por tu gran trabajo.

Espero que reúna esas tres cualidades que tan generosamente apuntas y además la encuentres verdadera, bella y única.

2. ¡Hola! Primero que nada quisiera decirte que estoy orgullosísima de tu trabajo (soy mexicana), pero sobre todo me encanta porque cada vez que te veo, veo a una persona que ha encontrado su vocación y que ama realmente lo que hace. Saber de todos tus logros es como un impulso para luchar por los sueños propios... Mi pregunta es muy sencilla ¿qué se requiere para ser un buen director de cine como tú? El sueño de toda mi vida es trabajar en el cine, pero no me atrevo a dar el salto.

A mi parecer el principal requisito y condición para ser un director de cine es primeramente tener algo que decir. Después de esto, todo lo demás se puede aprender.

3. Felicidades Alejandro. ¿por qué has elegido Barcelona como escenario?

Barcelona es una ciudad hermosa, pero también compleja y contradictoria. Ideal como contexto para 'Biutiful'.

4. ¿Le gustaría optar a los Premios Goya como mejor director?

No sé. La verdad es que desconozco las reglas.

5. ¿Por qué eligió a Javier Bardem para interpretar Uxbal en 'Biutiful'?

Porque es uno de los más grandes actores que tengo el privilegio de conocer y porque escribí el papel de Uxbal pensando en él, por las contradicciones del mismo personaje y de las que le conozco a él mismo como persona.

6. Buenos días, ¿no crees que ha sido demasiado ambicioso al usar demasiadas temáticas al mismo tiempo? Inmigración ilegal, enfermedades mentales, alcoholismo, condiciones de trabajo, poderes mentales, homosexualidad, trafico de personas, drogas, cáncer, etc. Manuel

Bienvenida siempre sea la ambición. La tibieza y la falta de ambición es lo que me parece repugnante.

7. Buenos días Alejandro. Soy una gran admiradora de su trabajo. Me gustaría saber por qué ha prescindido usted del guionista Guillermo Arriaga, dado el éxito que cosecharon juntos. Si no es impertinente, ¿Cuál fue la causa de su desavenencia?. Un saludo

Guillermo Arriaga fue un gran colaborador, pero toda relación creativa llega natural y sanamente a un fin.

8. He visto sus películas "Amores perros", "21 gramos" y últimamente "Buitiful". Los retratos desgarradores del ser humano son sus temas predilectos y siempre son películas que me conmueven mucho pero no le gustaría lanzarse un día en otro tipo de visión (comedia, desenlace feliz con fondo romántico...). Un saludo desde Francia. Paula

Me encantaría explorar una comedia. Hice un pequeño ejercicio dirigiendo un spot para Nike para el Mundial de este año. Algún día lo haré.

9. Hola Alejandro Te felicito por tu trabajo sabes llegar con tus películas ¿qué te puede "inspirar "en crear algo , y a qué le temes ? un beso guapo desde Helsinki Lola

Creo que la inspiración proviene de una necesidad de expresar algo que uno mismo no puede resolver. E intenta hacerlo a través de la obra.

10. Alejandro, ¿cómo estás? Ante todo felicitaciones. ¿Qué hace que elijas una ciudad para contar una historia? Amores Perros me sedujo y hace unos años me fui a vivir a México.

México es el experimento antropológico más grande en la historia de la humanidad. 22 millones de personas rodeados de volcanes. Las ciudades deben de tener, para mí, el tufillo y la melcocha necesaria para mantener su humanidad.

11. Buenos días, señor Iñárritu. Me gustaría saber por qué debería ir a ver su película y qué me aportará el hacerlo. Muchas gracias, considero su película 21 gramos como una obra maestra.

Espero que sea para ti una experiencia entretenida y catárquica.

12. Felicidades por la pelicula, (la semana pasada tuve la oportunidad de verla en el festival de Estocolmo). La pelicula trata una Barcelona dura y desconocida por la mayoria. ¿Cómo llevaste a cabo tu trabajo de documentación? Gracias

Estuve un año haciendo investigación y conviviendo con las comunidades africanas y chinas que viven en los suburbios barceloneses.

13. ¿Le pesa a uno la claqueta cuando ha de grabar con niños y con todo un Bardem? El viernes, al cine!!

Dirigir niños siempre es un reto y más cuando estos no son actores y más cuando se tratan temas como los de 'Biutiful'. Sin embargo, cuando se extrae de ellos un momento de verdad, hace que el esfuerzo valga la pena. Por otro lado, dirigir a un actor como Bardem implementó una comunicación diferente. Y más exigente. Y una vez que se logra lo que se necesita y observar en primera fila y en vivo la monumental interpretación que este actor es capaz de lograr es un orgasmo artístico.

14. Hola Alejandro, te pregunto algo personal, ¿es Los Angeles una ciudad humana para vivir? por lo que he leido tú vives allí. Gracias y felicidades por tus pelis Rosario

En la ciudad de Los Ángeles los automóviles tienen prioridad sobre los seres humanos. Es una ciudad construida para estos. Sin embargo, la diversidad y multietnicidad que la conforman hace que una vez encontrados sus secretos y rincones tenga una vitalidad extraña, única y fascinante.

15. Vista la gran pelicula en su preestreno, le pregunto Maestro Iñárritu, ¿qué se le ocurrió antes en el guión, todo el drama realista clásico, o ese delicioso toque místico-telepático? Muchas gracias por responder y por abrir los ojos con sus maravillosas y desordenadas películas.

El fondo y forma vinieron simultaneamente. Todo el proceso de creación y los temas se presentaron de la mano uno a otro.

16. ¿Cómo ha evolucionado como director desde 'Amores Perros'?

Cada película la abordo de una forma diferente, como si fuese la primera vez que dirigiese. Más que una evolución, me gusta pensar en expresar de una forma única y por vez primera cada proyecto.

17. Antes de la pregunta, felicitarle primero por sus tres grandes peliculas anteriores. De todas ellas, no sabría decirle cual de ellas me ha impactado más. Con este listón tan alto, ¿No tiene miedo a no cubrir las expectativas que todos esperamos de Biutiful? Gracias y mucha suerte.

La verdad es que puedo hacer poco para llenar las expectativas de quien las tenga. La expectativa de los otros es problema de ellos. Yo cargo con las expectativas de mi propio trabajo y de mí mismo. Y es ahí donde soy muy riguroso.

18. ¿Tiene pensado su próximo proyecto?

Tengo varias ideas a escribir y desarrollar y varios proyectos ofrecidos. Sin embargo, no es momento aún para decidirme a uno.

19. Mi nombre es Manuel y soy fan de todas sus películas por los conflictos que plantea y su visión de la redención. Me parece interesante su visión sobre el perdón y el arrepentimiento cercana a la de Martin Scorsese en la violencia visual con que lo expresa. Curiosamente, ambos son de tradición católica: ¿Cree usted que esa forma de entender estos conceptos es propia de esta religión? ¿Todavía cree usted en ese Dios definido como amor por los cristianos?

En mis películas no existe una visión religiosa, es decir, una institución o dogma. A mí me interesa la vida interior de los personajes y sus decisiones éticas y conflictos morales, por encima de las religiones.

20. Buenos días Alejandro, ¿cómo está siendo la acogida de Biutiful allá donde se ha exibido? Gracias.

Extraordinaria. Estamos muy contentos.

elmundo.es

Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara

Quedan un par de meses para la inauguración del Festival, que será del 27 de enero al 6 de febrero de 2011, pero ya se ha entregado uno de los premios de esta temporada y comienzan los revuelos de los Oscar.

Harrison Ford acudió a Santa Bárbara acompañado de su mujer para recibir el premio Kirk Douglas Award, de manos de Kirk. Ford agradeció haberse subido a la ola de la industria del cine en su época más excitante, cuando empezaba a contar las historias y hacer películas de una manera diferente.

Entre los asistentes estaba Jon Favreau, director la última película de Ford, Cowboys and Aliens y Andrew Davis, quien también dirigió a Ford en The Fugitive.

El festival de Santa Bárbara ha hecho ya algunas de sus apuestas para los Oscar. Durante diez días entregará premios a Nicole Kidman (actriz principal de Rabbit Hole), Annette Bening (actriz principal de The Kids Are Alright), James Franco (actor principal de 127 Hours), Christopher Nolan (escritor, director y productor de Inception).

Aquí dejamos los favoritos de los críticos, que apuestan por:
1) Mejor película: The King's Speech, Social Network y The Fighter.
2) Mejor director: Tom Hooper (The Kings Speech), David Fincher (The Social Network), Christopher Nolan (Inception)
3) Mejor actriz: Annette Bening (The Kids Are All Right) y Natalie Portman (Black Swan)
4) Mejor actor: Colin Firth (The King’s Speech) y Javier Bardem (Biutiful)
5) Mejor actriz secundaria: Melissa Leo (The Fighter) y Helena Bonham Carter (The King's Speech)
6) Mejor actor secundario: Josh Brolin (Wall Street: Money Never Sleeps) y Jim Broadbent (Another Year)
7) Mejor película animada: Toy Story 3, How To Train Your Dragon y Despicable Me.

EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN CIERRA SUS PUERTAS

El Festival Internacional de Cine de Gijón ha cerrado hoy las puertas de su 48 edición después de nueve días intensos. En el FICXixón se han presentado 171 películas distribuidas en difrentes secciones: la oficial, enfants terribles, esbilla, llendes, universo media, retrospectivas y ciclos, no no cuentes películas, ¡hazlas!, noche del corto español y día d´Asturies. En este última sección tienen cabida aquellos cortometrajes de cineastas asturianos.

La película galardonada con el Premio Principado de Asturias al Mejor Largometraje del Festival ha sido “Tuesday, after christmas” del director rumano Radu Monteau que cuenta la historia sobre un triángulo amoroso.

Este sábado a las 20 y 30 ha tenido lugar la Ceremonia de Clausura del Festival presentada por Pepe Colubi y Paula Prendes para presentar a continuación la última película de Borja Cobeaga, “No Controles”. El director vasco ha presentado su segunda película después de “Pagafantas” en una rueda de prensa en la que ha explicado que se trata de una comedia romántica de acción y cuyo estreno está previsto para el próximo 11 de febrero. En esta película Sergio (Unax Ugalde) tiene que conseguir en una sóla noche, Nochevieja, recuperar a su exnovia Bea (Alexandra Jiménez) antes de que se vaya a trabajar a Alemania todo con la ayuda improvisada de un grupo de viajeros que forman el peor equipo del mundo.

Desde aquí felicitamos a todos los premiados y a todos las personas que han participado en los largometrajes que hacen que sea posible realizar estos festivales de cine.

La tragedia de KATYN

Dirigida por Andrzej Wajda consiguió los mayores éxitos de taquilla en Polonia. Jamás ninguna película fue tan vista en el país. ¿Cómo ha afectado la tragedia de Katyn a Polonia? ¿Cómo es posible que este hecho perdure aún hoy, con una fuerza tan intensa, en los corazones polacos?

La historia comienza asï:

BERLÍN; La Oficina Alemana de Noticias anuncia, por Radio Berlín, el descubrimiento de enormes fosas comunes en Katyn, cerca de Smolensk, Rusia, con gran cantidad de cadáveres de oficiales polacos asesinados en masa por las fuerzas soviéticas.

MOSCÚ; Radio Moscú informa que la URSS rompe relaciones con el gobierno polaco en Londres, por haber aceptado la versión alemana sobre el asunto del asesinato de oficiales polacos en Katyn, según noticias alemanas, y por haber acusado al gobierno soviético de un crimen, que fue cometido por los alemanes.

¿Quién ha sido entonces? ¿Quién tiene razón en esta historia? La Unión Soviética y Alemania se acusan mutuamente mientras los polacos claman al mundo que se investigue a fondo la cuestión, la dignidad de su pueblo está en juego. Pero el mundo está inmerso en la II Guerra Mundial y todavía no se pueden exigir responsabilidades.

La realidad fue que durante la invasión soviética a Polonia en 1939, más de 20.000 oficiales polacos fueron capturados e internados en tres campos de concentración en la Unión Soviética. La orden directa de Stalin era eliminar a los prisioneros.

Para asegurarse que no hubiera testigos, la policía de Estado soviética seleccionó un centro rodeado de espesa arboleda, la colina de las cabras, pero a pesar del cuidado de no dejar rastros y testigos, cometieron un gran error: muchos de los cuerpos fueron enterrados sin quitarles sus pertenencias, posiblemente debido a la rapidez con que se efectuaban las ejecuciones.

Cuando Alemania invade la URSS en 1941 la zona queda ocupada por los alemanes y descubrieron la tragedia. Al lugar fueron enviados médicos forenses alemanes y polacos, grupo al que más tarde se unieron prestigiosos profesionales de varios países. Se constituyó un equipo de investigación dirigido por la Cruz Roja Polaca. Su misión era elevar un informe completo sobre lo sucedido que determinó que los cadáveres eran de prisioneros procedentes de campos de concentración soviéticos, cuya población, a partir de un traslado, habían sido declarados desaparecidos. Aún así las pruebas eran evidentes, los soviéticos fueron quienes cometieron los asesinatos de militares y civiles.

Churchill hizo lo posible por evitar la confrontación entre los aliados mientras que la Unión Soviética acusaba a la propaganda alemana y negaba con todas sus fuerzas lo ocurrido.

Durante el juicio de Nuremberg se intentó, bajo presión soviética y la indiferencia cómplice británica, investigar y acusar a los "culpables" alemanes del crimen en masa de Katyn. El informe soviético se dio por válido y los polacos se sintieron traicionados y desesperados.

El 13 de Abril de 1990, cincuenta años después de la masacre, Boris Yeltsin oficialmente admitió la responsabilidad de la Unión Soviética en el crimen de Katyn.

En la actualidad, Polonia continúa herida y por ello no quiere la entrada de Rusia en la Unión Europea ni en la Organización Mundial del Comercio. Veta las decisiones. Rusia también suele hacer boicots a Polonia en sus productos.

Katyn sigue muy presente y muchos países del Este recuerdan todavía la opresión sufrida por parte de la Unión Soviética durante el Pacto de Varsovia. Un gigante que les vigilaba constantemente y que imponía sus directrices a golpe de invasión.

Para culminar, el avión Tupolev 154 en el que viajaba el presidente de polonia, Kaczynski, se estrelló en la ciudad rusa de Smolensk en 2010. Los 97 ocupantes fallecieron. Querían rendir homenaje a las víctimas en Katyn.

TE DOY MIS OJOS

Hoy, 25 de noviembre, día Internacional de la lucha contra la violencia de género, he visto conveniente hacer desde aquí un “pequeño homenaje” a todas esas mujeres que sufren malos tratos –físicos o psíquicos- por sus parejas o ex parejas. Mujeres que, por amor, siguen al lado de esos infelices maltratadores con la esperanza de que algún día cambien. Algunas, por desgracia, perdieron la vida esperando ese cambio. 

Según datos de la Consejera de Igualdad, Gema Gálvez, en lo que va de año 61 mujeres han sido asesinadas en España a manos de sus parejas o ex parejas. Es obvio que el problema sigue estando presente a pesar de las campañas de sensibilización y de los medios que el Gobierno pone para impedirlo. Muchas mujeres no ven más allá de sus ojos, creen que “es lo que les ha tocado vivir”, “que se lo merecen”, “que igual lo que hacen está mal”… Cuando estas mujeres son conscientes de su dura realidad, la mayoría de las veces es demasiado tarde. 

TE DOY MIS OJOS, ganadora de 7 Goyas, no sólo relata la historia de Pilar y Antonio, sino también de quienes les rodean: una madre que consiente, una hermana que no entiende nada, un hijo asustado, etc. Es una historia sobrecogedora que se debate entre el amor y el miedo.

La película no muestra abiertamente la violencia en sí, ni se recrea morbosamente en ella, sino que muestra las consecuencias de esa violencia y deja que el espectador imagine lo que ha sucedido. Hay escenas para emocionarse, llorar, pero también y, aunque no lo crean, para sonreír y dejarse llevar por los breves instantes de felicidad de la pareja.

Hay una escena que muestra la secuencia de la conversación entre Pilar y Antonio a través de una puerta, en la que se puede apreciar varias cosas: la primera, el amor que ambos sienten el uno por el otro; la segunda, la lucha interior de Pilar, incapaz de vencer el miedo que le inspira su marido, además de que quiere con todo su ser creer en sus buenas palabras; y tercero, los esfuerzos de Antonio por controlar su ira, ya que acaba desatándose sobre Pilar, y teme que ella acabe abandonándolo. 

También se puede ver a Antonio en su paso por un grupo de terapia masculina que le ayuda a controlar su ira y, lo más importante, a comprender por qué hace lo que hace. En esas sesiones toma conciencia de quién es en realidad, de que en el fondo no es nadie y de que el uso de la violencia es por la impotencia que eso le produce. Él intenta retenerla por la fuerza porque teme que ella (Pilar) encuentre a alguien mejor y lo abandone.

Cuando por fin Pilar es consciente de su realidad acude a denunciar a su marido a la policía y éste sólo le pregunta por los daños físicos, a lo que ella no consigue hacerle comprender que “le ha roto el corazón”, que “el daño es por dentro”. La película acaba con una sobrecogedora escena en la que la violencia sobrepasa los límites y provoca al espectador todo tipo de sensaciones. 

No podemos olvidar el tema de la violencia de género, debemos tenerlo presente y actuar contra ello. El primer eslabón para erradicar esta realidad está en la educación. La base de este problema está en la desigualdad. Algunos hombres se creen con más derechos que las mujeres y no sólo eso, sino que se creen superiores a ellas. Por ello, debemos inculcar a la infancia el valor de la igualdad y el reproche a la violencia. 

LOS HEREDEROS

Eugenio Polgovsky en su documental "Los herederos", retrata el trabajo infantil de decenas de niños en México. Lo hace como un narrador invisible, presente en los duros momentos laborales, sin diálogos y sin apenas artificios, para darle toda la importancia a las imágenes, para que ellas solas nos cuenten la historia. Solo hay cuatro escenas en que la música acompaña, en los 90 minutos que dura la cinta.

Estos niños son "herederos". Sus padres y sus abuelos también lo fueron. Herederos de un porvenir en el que la pobreza y la lucha por la supervivencia son su sentencia de vida. "Trabajar, trabajar y trabajar" es todo lo que harán hasta el final de sus días. Desde que nacen, sus madres los llevan a cuestas al campo y en cuanto empiezan a caminar, comienzan a trabajar. La recolecta de tomates y judías, la recogida de leña, el pastoreo, la talla de figuritas de madera, fabricar ladrillos de adobe o dar de comer a las gallinas, será a lo que se dedicarán siempre, sin apenas tiempo para juegos y sin tener un desarrollo normal como niños.

Estos pequeños no van a la escuela, no hacen más que trabajar. Pero en un país como el suyo, son los grandes olvidados. El narcotráfico y la delincuencia en lugares como Ciudad Juárez, hacen que la comunidad internacional vea México y solo piense en estos dos problemas.

Está muy bien que organizaciones como Unicef, apoyen la grabación de documentales de este tipo para denunciar la violación de los derechos de estos niños, que se ven obligados a trabajar porque de ello depende la supervivencia de sus familias y de ellos mismos, sin posibilidad de encontrar un futuro mejor mediante la educación en escuelas y una infancia normal.

Una nota común a todos los documentales y películas que he visto sobre menores que tienen que aceptar un destino difícil, es la fortaleza de la que hacen acopio y lo poco que se quejan. Resulta duro ver como la pobreza les lleva a esta situación, pero al mismo tiempo resulta inspiradora su actitud trabajadora y de "aceptar lo que venga".

México tendrá que jerarquizar sus problemas y establecer una educación obligatoria para conseguir que, algún día, estos niños tengan opción de decidir su futuro y dejar de ser aquellos "herederos" que luchaban por sobrevivir y ser personas que trabajan, en lo que quieren, para vivir.