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lunes, 24 de enero de 2011

AMERICAN HISTORY X


Película dirigida por Tony Kaye y protagonizada, entre otros, por Edward Norton (Derek Vinyard) y Edward Furlong (Danny,su hermano menor).

La película comienza en blanco y negro. Derek Vinyard es uno de los líderes de su barrio. Encabeza un movimiento neonazi local. Estos ”skin head” (cabezas rapadas) son herederos de los postulados de Adolf Hitler, que subió al poder en Alemania en 1933. Con su Tercer Reich extiende entre la sociedad el totalitarismo, el ultranacionalismo y el odio racial hacia los “enemigos”. Es increíble como contagia estos sentimientos a la población y consigue un culto irracional hacia su persona. Con la exterminación de 6 millones de judíos, fomentó el odio de tal manera que hoy en día podemos encontrar resquicios de lo que fue aquello.
En la película, Derek acusa a los inmigrantes de delincuentes. Les echa la culpa de las desgracias del país. Quitan el trabajo y hacen que nuestras vidas no sean perfectas. La violencia es el método para combatir. Con sus discursos consigue una fuerte adhesión a su causa, hasta que mata a dos jóvenes de raza negra. Ingresa en prisión durante 3 años y su estancia allí le cambia de por vida. Deja a un lado el odio y la violencia racial, dándose cuenta de que son actitudes equivocadas.
Con las escenas en color, simbolizando ya la nueva vida de Derek, se encuentra a su salida con que el movimiento neonazi está completamente entregado a él. Han esperado impacientes su regreso, sobre todo su hermano menor, que le idealiza a él y a la causa nazi. Pero su misión es alejar a su familia y a su hermano del nazismo, consciente ya de que sólo trae destrucción.
Aquí nos encontramos con el gran problema de Derek. Por una parte ha dejado de ser un joven colérico, rencoroso y violento, que extiende su personalidad a todos los niveles de su vida, incluso en el aspecto físico, y ahora no sólo tiene que alejarse de ello, sino combatirlo para poder sacar a su hermano del cautiverio sectario del líder ideológico que les guía.
Un acierto de este film es que el profesor de Danny le pide que haga una redacción sobre su hermano, para buscar las razones de porqué asesinó y conseguir hacerle reflexionar sobre el pasado. Se apuesta por la educación, como pilar fundamental y herramienta, para sacar a los jóvenes de los grupos xenófobos en los que están metidos.
Una de las mejores partes de la película, en mi opinión, es cuando está en prisión. Enseña sus tatuajes con la esvástica y se posiciona en el grupo de los nazis. Le toca su trabajo en la lavandería, dónde conoce a un joven negro del que se hace amigo. La relación que establecen es muy emotiva, se ríen mucho juntos y se ayudan a superar los momentos difíciles. Esto le causa graves problemas con los nazis, le violan y está mucho tiempo en la enfermería. El resto se su estancia la pasa sólo con su amigo. Sabe que los negros no le han hecho nada gracias a él. Podría haber salido muerto de allí. Creo que su amistad con él es lo que de verdad le hace cambiar su forma de vida. Es necesario conocer a las personas y tratar con ellas antes de juzgarlas. Quien de verdad no le falla ha sido el negro. Es más, le salva la vida.
David McKenna, guionista del film: "Quería escribir alguna cosa respecto a los mercaderes del odio. Lo que intenté destacar en el guión es que las personas no nacen racistas. Este sentimiento se adquiere a través del entorno y de las personas que nos rodean. Lo que me intrigó es por qué la gente odia y cómo podemos cambiar tanto".
Con esta reflexión terminamos. Existen en la actualidad grupos de jóvenes neonazis, que no están integrados en la sociedad, que son violentos, xenófobos, organizados localmente y con una estética propia. Les recomendaría a todos ellos ver la película. Es necesario que este problema reciente y actual se solucione con la educación y con una explicación de las consecuencias que traen estas espirales de odio. La historia nos ha enseñado que Hitler no es ningún modelo a seguir, que el nazismo jamás debe resurgir porque la intolerancia conduce a la muerte. Basta ver el final amargo y trágico de Danny Vinyard.
Los videos subidos reflejan la mentalidad de Derek. Es una discusión a la hora de la comida con su familia y un amigo de su madre que es judío. El discurso que da es impresionante, puede llegar a dejar sin palabras, pero la violencia y los extremos hacen que la razón la pierda por completo. Edward Norton hace una interpretación magnífica. Se mereció el Oscar a mejor actor.

viernes, 7 de enero de 2011

Camino a Guantánamo

Camino a Guántanamo más que una película es una especie de documental. Todo comienza tras los atentados del 11 de Septiembre de 2001 en Estados Unidos. La historia empieza cuando cuatro amigos musulmanes británicos deciden ir a Pakistán a la boda de uno de ellos (a finales de Septiembre de 2001). Cuando están allí deciden cruzar a Afganistán para ver cómo está el ambiente, algo que pagarán muy caro, pues tres de ellos son arrestados por la Alianza del Norte quienes los entregan a los norteamericanos. Éstos los toman por terroristas y los conducen a la Bahía de Guantánamo (en Cuba) a una base donde permanecieron más de dos años, acusados injustamente. En Marzo del 2004 fueron puestos en libertad sin ningún tipo de cargos, al igual que sin ninguna explicación.

Como he dicho al principio, la película está rodada en forma de documental, lo que le dota de un gran realismo, aún sabiendo que gran parte de las escenas son ficticias, excepto algunas imágenes de archivo y algunas escenas finales rodadas por los auténticos protagonistas (víctimas, concretamente) de tan humillante suceso, porque no debemos olvidar que Guantánamo es real, es algo que está ahí, es una de esas realidades que enturbian la historia de este mundo y de las cuales se ha tardado tiempo en reaccionar y hacer algo. En fin, hasta que no sale a la luz, todos nos hacemos los ciegos… miramos para otro lado… 

El film reproduce bombardeos, masacres, interrogatorios y torturas con un realismo crudo. De esta forma, los directores, Michael Winterbottom y Mat Whitecross, no sólo denuncian estas violaciones de los derechos humanos, sino que acusan “directamente” al gobierno de Bush de tan lamentables sucesos.

Una de las cosas que dotan de autenticidad a la película, son las interpretaciones de los protagonistas principales, actores no profesionales cuyo primer trabajo era precisamente éste. Sus rostros son totalmente desconocidos, lo que añade más credibilidad al film, puesto que da la impresión de que son los protagonistas reales. Los demás actores se mueven con esa frialdad típica de los documentales, otro punto a favor que dota de más realismo aún a la película. 

Además, no sólo son unos actores “primerizos” los que aparecen, sino que también salen los verdaderos protagonistas de la historia. A lo largo de la película aparecen en pequeñas declaraciones a la cámara. Estos tres musulmanes protagonizan una bellísima secuencia final, llena de fuerza que no es sino un canto a la libertad, una libertad negada sin motivo alguno durante más de dos años, sufriendo humillaciones de todo tipo: intimidaciones con perros rabiosos, palizas, torturas psicológicas, deshumanización y tantas violaciones de los derechos humanos que no hacen sino colocar a los "justicieros" a la misma altura que los terroristas que pretenden juzgar. 

Aquí dejo (para los que esteis interesados en ver esta película) los enlaces que he encontrado en YouTube que completan el film. El audio está en inglés, pero los subtítulos están en español.

domingo, 12 de diciembre de 2010

CIUDAD DE DIOS

Ciudad de Dios, dirigida por Fernando Meirelles junto con Katia Lund, es una película que relata el surgimiento y la consolidación del crimen organizado y el narcotráfico en Cidade de Deus, un suburbio violento de Río de Janeiro. La película está basada en una novela de Paulo Lins, basada en sucesos reales, que repasa la evolución de la delincuencia en esta favela a lo largo de tres décadas, desde los años 60 hasta los 80.

Una historia de rencores y envidias, de frustración y deseo, de enfrentamiento y violencia, de dolor y muerte, en definitiva, de desgraciada realidad. A lo largo de la película aparecen distintas tribus urbanas, de distintos comportamientos que acaban cayendo en la corrupción y que tienen en común las drogas como eje fundamental de su vida, ya sea como medio de supervivencia o como costumbre adictiva.

El film cuenta una historia cruda, terrible y de un horror tan diario y terrenal, como al mismo tiempo increíble y lejano para la mayor parte de los espectadores. Una serie de niños y jóvenes sesgan vidas y luchan por sobrevivir en medio una “ciudad sin ley”, en un mundo rodeado de muerte, donde la droga y las armas son las que mandan. Sin escapatoria, sin esperanza, el protagonista, Buscapé (un adolescente poco dispuesto a la violencia, al que le apasiona la fotografía) habrá de sobrevivir al desarrollo de ese mundo durante treinta años, a los amigos y enemigos que desaparecen y a los que permanecen. Buscapé termina retratando, como fotógrafo, esa misma realidad que le rodea.

En la película se aprecia una impunidad criminal desoladora, en un país que se cruza de brazos ante un imperio delictivo. Las buenas intenciones acaban fracasando por un nulo apoyo de la policía. La oposición que surge al narcotráfico acaba siendo consciente de su ineficacia. Una espantosa realidad en un mundo en el que los “héroes” son unos niños, asesinos, maestros de la delincuencia.

La película se estructura en tres partes: años 60, años 70 y años 80. Cada parte tiene su propio argumento y focaliza su atención en un personaje según su relevancia en ese determinado momento. Además, cada parte tiene su propio tratamiento estético, en el que intran en juego tanto la fotografía y la iluminación, como el montaje y la dirección, acompañados por ritmos musicales.

El carácter autóctono y el componente social e histórico de Ciudad de Dios muestran al espectador una dura y horrible realidad de las favelas brasileñas que a veces es desconocida por la sociedad. No sólo las circunstancias concretas que propician esta criminalidad le dan ese “toque” realista, sino que también el papel del reparto es determinante para ceñirse con acierto a su contexto. Los intérpretes son, en su mayoría, actores no profesionales, seleccionados para la ocasión, en su mayoría niños y adolescentes extraídos de distintas favelas brasileñas y, por tanto, conocedores de primera mano de la situación que recoge la película. Todo esto, permite apreciar la autenticidad en sus actuaciones y en muchos momentos, sobre todo entre los más pequeños, da la sensación de que no distinguen por completo cuándo están "jugando…” ante la cámara o cuándo están siendo ellos mismos como en su vida cotidiana, al margen del rodaje.

Es una película que nos muestra la “otra cara” de Río de Janeiro: un terrible “infierno” de drogas, violencia y crímenes organizados; frente al “paraíso” que tenemos en mente (por lo que nos ofrecen normalmente los medios de comunicación) de playas paradisiacas, samba, alegría… No sólo nos enseña una realidad desconocida, sino que también nos muestra otra forma de hacer cine, además, sudamericano, que es prácticamente desconocido, eso por no decir lo infravalorado que está.


sábado, 11 de diciembre de 2010

BOWLING FOR COLUMBINE

“Bowling for Columbine” es un documental dirigido y protagonizado por Michael Moore en 2002. Este documental parte de la masacre ocurrida en el Columbine High School en 1999 donde un grupo de alumnos mataron a tiros a muchos de sus compañeros. Moore hace un análisis de la cultura armamentística de los Estados Unidos. Ganó el Óscar al mejor largometraje documental en 2002.

El carácter crítico del documental se aprecia desde la primera escena en la que comienza diciendo lo siguiente: “Era la mañana del 20 abril de 1999, una mañana cualquiera en Estados Unidos, el granjero atendía sus tareas, el lechero hacía su reparto, el presidente bombardeaba otro país de nombre impronunciable… sí, era un día típico en los Estados Unidos de América”.

Comienza mostrando que en un banco del país si abres una cuenta bancaria te regalan un arma, así de fácil, y sobre todo destaca la normalidad con lo que se hace y con lo que se ve este tipo de cosas. Es escalofriante ver cómo la supuesta potencia líder del mundo tiene tan normalizado el uso de las armas, ¿no se supone que ellos, una sociedad supuestamente avanzada, deberían mostrar al mundo que la violencia es algo inadmisible, sea como sea el tipo de violencia? Entonces, puedes obtener un arma por hacerte una cuenta bancaria, y es algo legítimo, y sin embargo una cantante enseña su busto es un concierto y es un escándalo nacional… creo que esto deja que pensar.

Uno de los miembros de la Milicia de Michigan, estado en el que nació Michael Moore y que tiene una gran tradición armamentística, dice: “Estar armado es un tradición norteamericana, es una responsabilidad americana, si no vas armado no eres responsable, ¿quién defenderá a tus hijos? Tu trabajo es protegerte a ti y a los tuyos, si no lo haces no cumples tus obligaciones como americano”.

El tiroteo llevado a cabo en Columbine fue una tragedia y conmocionó a todo el país. ¿Cómo unos adolescentes son capaces de eso? Eso se preguntaba todo el mundo. En el documental hace una entrevista a uno de los directores de una de las grandes fábricas de bombas y armas para el gobierno, y Moore le pregunta que qué ve de diferencia entre lo ocurrido en ese instituto y la cantidad de masacres que ha llevado a cabo el gobierno de Estados Unidos en otros países. Él dice que no ve nada de relación entre ambas cosas, que lo que hace Estados Unidos es defenderse del enemigo o supuesto enemigo. Me llama la atención lo de supuesto enemigo, ¿qué quiere decir?, ¿qué han atacado sin razón aparente? Se supone que el gobierno da la orden de bombardear un país o atacarlo porque es un enemigo y por ello, hay que salvar al pueblo estadounidense del enemigo, del malo. Ese es el lema patriótico que impera. Pero, ¿realmente es así, ataca Estados Unidos para defenderse o hay otros intereses que priman por encima de que miles de civiles mueran?

Este documental, como todos los de Moore, intenta quitarle el disfraz a esa sociedad americana que se ha querido imponer en todo el mundo como la ideal. Son 120 minutos que te hacen pensar, meditar y hacerte preguntas sobre la clase de mundo en la que vivimos.

martes, 30 de noviembre de 2010

LA VIDA LOCA

Christian Poveda en su documental La vida loca quería mostrar el lado humano de las maras salvadoreñas, en concreto de la “Mara 18”. Hay quien cree que consiguió mostrar ese lado humano de los grupos pandilleros y hay quien discrepa y piensa que no lo supo reflejar. Sin embargo, creo que Poveda no sólo quería mostrar la humanidad de esos pandilleros, sino que de forma indirecta quería denunciar la situación de las maras y que el gobierno salvadoreño tomara cartas en el asunto.

Poveda fue corresponsal de prensa en El Salvador durante la guerra civil (1980-1992). Se estima que la guerra dejó 75.000 muertos, en su mayoría civiles. Decenas de miles de personas resultaron heridas físicamente (como consecuencia de armas de fuego, explosiones, minas antipersonas, etc.) los cuales quedaron marcados con mutilaciones que los incapacitaron de por vida. Miles, también, resultaron con graves secuelas psicológicas (si se tiene en cuenta las violaciones a las que fueron sometidas incontables mujeres y las torturas y vejaciones que padecieron otros tantos hombres) y numerosos niños quedaron huérfanos de padre, madre, o ambos. Además, como consecuencia de la guerra, quedaron en manos de la población civil miles de armas de fuego, lo cual propició el surgimiento de las maras, dedicadas a la delincuencia y al tráfico de drogas, y que han hecho de El Salvador uno de los países (con ausencia de guerra) más violentos del mundo. Por otro lado, cerca de 500.000 salvadoreños se vieron obligados a abandonar el país.

Aunque han pasado veinte años desde que terminara la guerra civil en El Salvador, las maras continúan. La situación social de esos jóvenes sigue siendo la misma: chicos/as huérfanos, desprotegidos, faltos de cariño… que ven en esos grupos pandilleros su forma de vida.

Ésta es una situación social insostenible y que tal vez el cineasta franco español quería mostrar al gobierno y las autoridades salvadoreñas, para que éstas hagan algo para que la situación de estos jóvenes cambie y, por tanto, cambie a su vez la violencia que sufre el país.

La “falta de explicaciones” del documental corresponde a la misma ausencia de respuesta por parte del gobierno del país salvadoreño ante la situación de las maras.



Varios meses después de que Christian Poveda realizara el documental, fue asesinado en El Salvador.

Indagando por la red he podido certificar que el asesinato del fotoperiodista no está nada claro, aún está por resolver. Los altos cargos del gobierno apuntan que muy probablemente el homicidio sea cosa de las maras. Otros (ciudadanos salvadoreños sobretodo), en cambio, van más allá y señalan como culpable al gobierno del país. Un bloguero en concreto, piensa que Poveda fue asesinado por un sicario experimentado. “De golpe peligraban los negocios de la droga, de las armas…”, señala. Este bloguero junto con la Licenciada Merari Vergara Parada dejan varios interrogantes en el aire: 

¿Qué conocimientos y qué información había adquirido el periodista en sus investigaciones?

¿Quién mató a Christian Poveda? Y más importante aún: ¿por qué?

Aquí os dejo el enlace de este bloguero por si queréis echarle un vistazo. Me parece interesante lo que piensa, quizá no sea tan descabellado lo que dice (sabiendo la situación de corrupción por la que pasa El Salvador). 

Fuentes:
http://www.publico.es/internacional/248392/asesinado/salvador/fotografo/francoespanol/christian/poveda
http://pijazo.blogspot.com/2009/09/christian-poveda-un-crimen-mas-oscuro.html

domingo, 21 de noviembre de 2010

TODOS LOS NIÑOS INVISIBLES

"Todos los niños invisibles" es un largometraje hecho por 8 directores que con 7 cortometrajes han compuesto esta historia. Todos los cortos giran entorno a un mismo tema: los niños del mundo desfavorecidos y los problemas a los que se enfrentan en su día a día.

TANZA es un niño guerrillero africano que lucha por liberar su país y mata personas sin pestañear. Choca la dureza de esta historia del argelino Mehdi Charef en la que niños de tan corta edad se comportan como sanguinarios asesinos sin sentimiento de culpa, completamente convencidos de que la causa que les mueve es justa. Este tema ya lo hemos visto en muchas películas como Diamante de sangre y siempre nos resulta igual de duro. La vulnerabilidad de estos niños, fáciles de confundir, hace que no diferencien el bien del mal y que cometan atrocidades como algo normal en su rutina diaria, como un juego más.

Emir Kusturica con BLUE GIPSY nos habla de un niño gitano que está en un reformatorio y el mismo día de su salida, decide volver. ¿La causa? Su padre le obliga a él y a todos sus hermanos a robar y para más inri, encima les maltrata, así que prefiere volver a vivir encerrado para terminar con sus problemas. Está contado con cierto tono cómico, la música también contribuye a darle cierto tono de humor y de desenfado, pero a ratos resulta demasiado grotesco.

JESUS CHILDREN OF AMERICA es el mejor corto de todos. Spike Lee consigue emocionarnos con Blanca, una adolescente que de repente descubre que sus padres son drogadictos y que encima le han dejado una herencia fatal: el sida. A partir de entonces tendrá que aprender a afrontar una enfermedad que mucha gente de su entorno no entiende y que le acompañará el resto de su vida. Destaca además, lo normal que es esta chica a pesar de la situación que le rodea y la valentía con la que lo afronta a pesar de su edad.

La brasileña Katia Lund, como no podía ser de otra manera, retrata la realidad de muchos niños en su país. BILU Y JOAO son una niña y un niño de las fabelas de Sao Paulo, que día a día tienen que buscarse la vida para ganar unos pocos reales y poder sobrevivir, para lo que aprovechan todas las oportunidades que van encontrando por el camino, pero siempre de manera honrada. Resalta la alegría con que se enfrentan a su realidad y lo que valoran cada pequeño triunfo que consiguen, a pesar de que el mundo se empeña en engañarles.

JONATHAN es el corto realizado por Jordan Scott y Ridley Scott. Un fotoperiodista de guerra se ve atormentado por sus recuerdos y recurre a la infancia para evadirse. Es una historia que resulta demasiado enrevesada, muy metafórica y que te hace perderte un poco. Me parece que como relato individual tiene su sentido, pero rompe la dinámica de la película en su conjunto ya que el resto de historias aunque en cierto sentido resultan poéticas, resultan más realistas.

El italiano Stefano Veneruso retrata a CIRO un joven del sur de Italia, al que su madre obliga a pagarle los gastos de su manutención y se ve obligado a robar para ello. Ciro y su amigo Bertucciello al final tienen un momento de regreso a la infancia feliz que deberían estar teniendo, lo cual resulta en cierto modo poético.

Por último el chino John Woo nos cuenta la historia de dos niñas chinas con situaciones sociales radicalmente opuestas. SONG SONG Y LITTLE CAT viven cada una su particular infierno. Song Song pertenece a una familia adinerada que está a punto de romperse y cuya madre no sabe como afrontar la nueva situación. Little Cat fue abandonada por su madre al nacer y la ha cuidado un anciano pobre, pero acaba muriendo y el destino la lleva a vivir con un hombre que explota a niñas que trabajan para él. Sus vidas se cruzan en un pequeño instante, lo cual sirve para justificar la narración de ambas historias por separado.

Es una gran película, aunque el corto de Jonathan sobra, según mi parecer. Es una buena forma de abordar un tema tan extenso desde diferentes puntos de vista.

Resulta muy interesante y aunque es dura, es recomendable verla porque abre los ojos ante las injusticias del mundo con los niños, seres indefensos que se tienen que enfrentar a realidades muy complicadas y, que muchas veces, lo tienen que hacer ellos solos. Además, cualquiera pensaría que nosotros no tenemos que preocuparnos porque eso nos pilla muy lejos, pero la incorporación al largometraje de dos historias de niños de Italia y Estados Unidos, hace que nos demos cuenta de que no es una realidad que solo afecte a países tercermundistas, sino que son injusticias que les toca vivir a niños en cualquier lugar del mundo.

Muchas veces tenemos ese sentimiento o pensamiento de que los niños no deberían sufrir el maltrato, la marginación, el odio, la enfermedad, pero aún así lo sufren, y esta película intenta hacernos conscientes de lo afortunados que somos nosotros y lo desafortunados que son otros. También resulta una llamada a que entre todos busquemos una solución, porque la historia de cualquiera de estos niños podría haber sido otra, y solo una concienciación y un movimiento institucional mundial podrían conseguir que algún día las cosas fueran diferentes, que algún día sean menos los niños que sufren por culpa de las circunstancias que les ha tocado vivir. A lo mejor es una utopía imposible de alcanzar, pero cada niño de estos que consiga tener una infancia normal, de juegos, risas y obligaciones adecuadas a su edad, aportará luz y esperanza para que algún día las cosas sean diferentes.

domingo, 31 de octubre de 2010

EL ODIO (LA HAINE)


Hola, soy Alexandra y en mi entrada de esta semana os voy a hablar de una película francesa que me parece extraordinaria, tanto en los temas que trata como en su ejecución.

La película en cuestión se llama "EL ODIO (LA HAINE, en francés)" y empieza con la noticia de unos disturbios en el suburbio parisino de Muguet y una víctima que se encuentra entre la vida y la muerte, mientras sus tres amigos se debaten entre el bien y el mal continuamente. Resulta curiosa la procedencia de sus protagonistas: un árabe, un judío y un negro, que tienen un extraño sentido de la amistad, pero que en los malos momentos siempre se muestran unidos. La muerte, las drogas, el paro, las armas, la violencia en general, son temas constantes durante los 93 minutos que dura la historia. En la que también subyace una crítica de la policía, mostrando la gran diferencia en su trato con los habitantes de París y los del barrio de Muguet.

Mathieu Kassovitz dirige esta película magistral rodada en blanco y negro con una fotografía excelente, muy cuidada, en la que la tensión está presente en cada minuto. Se trata de una película en cierto modo poética por como se trata el tema, por las moralejas que se han introducido y por la frase final: "LO IMPORTANTE NO ES LA CAÍDA SINO EL ATERRIZAJE".

Los galardones que obtuvo en los Premios César de 1996 a Mejor Edición, Mejor Producción y Mejor Película y en el Festival de Cannes del mismo año a Mejor Director, no hacen más que confirmar la genialidad de la obra de Kassovitz.

Es un largometraje que nos hace reflexionar acerca de lo inevitables que son las cosas a veces, de lo difícil que es escapar de tu destino cuando no tienes ni una sola oportunidad en el mundo para lograrlo por mucho que lo intentes. En cierto modo es una película un tanto deprimente, en ese sentido, pero también una llamada al resto de la sociedad, que vive su vida normal mientras en su misma ciudad jóvenes sin futuro intentan sobrevivir en un submundo al que al resto sólo les interesa para ver en las noticias.

Espero que os guste.