ORO NEGRO

Este documental dirigido por los británicos Nick y Marc Francis y estrenado en el año 2006, muestra las condiciones de los cultivadores de café en Etiopía y se presenta como un alegato por el comercio justo. Entre la fuente de origen y el punto de venta hay muchos intermediarios que dificultan la comercialización ya que rebajan aún más las pocas ganancias de los agricultores, por ello es necesaria la intervención de personas como Tadesse Meskela, líder de una cooperativa, a quien se ve en el documental cómo viaja a Estados Unidos y a Inglaterra para promocionar el café etíope, uno de los mejores, y así conseguir que los campesinos obtengan unas condiciones dignas de trabajo.

En el documental se hace una crítica a las multinacionales, en concreto a las del café, que controlan una industria que mueve 80 000 millones de dólares anuales. “Starbucks, Sara Lee, Procter & Gamble, Kraft y Nestlé declinaron la invitación de aparecer en el documental, pero cuando supieron que el filme iba a tener distribución mundial, quisieron dialogar e iniciaron campañas para convencer a sus clientes de que pagaban un precio justo a los campesinos. Nunca llegaron a las amenazas, pero sí tuvimos cierta presión por hacer este trabajo”, comentaron en su momento los hermanos Francis.

Para ponernos en situación, un trabajador etíope del café gana menos de dos dólares al día y sólo reciben entre el 1 y el 3% del dinero que pagamos por un café. Los directores aseguraron que sólo ser consciente de este hecho es el primer paso para crear conciencia y que gracias a la película y otras iniciativas en los últimos años se ha doblado el precio que se paga por el café, y los agricultores han podido recibir seis veces más de lo que ganaban.

¿Has pensado alguna vez de dónde sale el café? Esta es la frase con la que termina el tráiler y la cual define perfectamente el contenido del documental. “Nuestro objetivo es que el consumidor mire dentro de la taza de café y piense que una sola taza repercute en el sostén de millones de personas que luchan por sobrevivir”, explicaron los hermanos Francis. Ver el documental lleva a cualquier persona, aunque sea, a cuestionarse cosas que hasta ahora no se había parado a pensar. Seguro que muchas personas no sabían que el simple acto de tomarse un café podía afectar a tantas personas que están detrás de ello, por ello aconsejo a todo el mundo a que lo vean y por lo menos ser conscientes de esta situación.

XVI PREMIOS JOSÉ MARÍA FORQUÉ

La XVI gala de los premios Forqué tendrá lugar el próximo 17 de enero y se espera que Verónica Forqué, hija de José María Forqué, fundador de Egea, acuda a la gala. Estos premios están organizados por la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Españoles (Egeda), se encuentran entre los más prestigiosos de España y ser premiado en ellos puede significar la antesala de los Goya.

En su página oficial podemos ver cúal es el objetivo y la dotación económica de estos premios: El premio nace con el doble propósito de ayudar a difundir la importancia de la industria audiovisual española y de impulsar la figura del productor cinematográfico. La dotación económica del Premio Cinematográfico José María Forqué al mejor largometraje es de 30.050 euros, destinados a la compañía productora del film ganador. http://www.premiojosemariaforque.com/

Los encargados de anunciar las películas finalistas fueron los actores Imanol Arias y María Estévez quienes anunciaron que las películas finalistas son:

   "Lope" de Andrucha Waddington

   "Buried" de Rodrigo Cortés

   "Entre lobos" de Gerardo Olivares

   "Pa negre" de Agustín Villaronga

   "También la lluvia" de Iciar Bollaín

En cuanto a los actores que optan al premio al mejor intérprete se encuentran Eduard Fernández, Luis Tosar, Unax Ugalde, en el apartado masculino y Emma Suárez, Nora Navas y Belén Rueda en el apartado femenino.

La medalla de Oro de Egeda fue para el productor Luis Megino, que posibilitó películas como 'Mi querida señorita' o 'Demonios en el jardín'.

EL NIÑO CON EL PIJAMA DE RAYAS

Gloria Conde/ El 26 de septiembre 2008 se estrenaba en España El niño con el pijama de rayas, una película dirigida por Mark Herman y basada en la novela del escritor inglés John Boyne, "The Boy in the Striped Pyjamas".
La película, producida por Miramax Films, aborda el tema del Holocausto judío durante la II Guerra Mundial.

Entre su elenco de actores destacan Asa Butterfield (Bruno), David Thewlis y Vera Farmiga (padres de Bruno), Amber Beattie (Gretel), Richard Jonson y Sheila Hancock (abuelos de Bruno) y Jack Scanlon (Shmuel).

La película se remonta al año 1942 en la ciudad de Berlín. Bruno, un niño de nueve años, es ajeno a todas las atrocidades y crueldades que su país está ejerciendo en Europa. Su padre, comandante de un campo de concentración, asciende en su trabajo y se trasladan a vivir a una casa de una zona aislada donde no tiene niños con quien jugar.

Sin embargo, todo cambiará cuando Bruno descubre dentro de ese inmenso campo un alambrada tras la cual había personas con un uniforme similar a un pijama de rayas. Es así como conoce a Shmuel, un niño judío con el que mantendrá una amistad secreta y cuyas consecuencias serán demoledoras.

El niño con el pijama de rayas es, sin duda alguna, una película conmovedora porque ofrece la visión del horror, la crueldad y la injusticia del Holocausto a través de los ojos de dos inocente niños, capaces de tocar la fibra de la sensibilidad a cualquiera.

Es precisamente el final de la película, el que contiene una imagen que se queda grabada en la retina para el recuerdo; los dos niños con el pijama de rayas y otro grupo de judíos más metidos en una cámara de gas, creyendo que se encontraban en un refugio para protegerse de la lluvia y no podían imaginar en ese momento lo que les iba a suceder minutos después.

Creo que cualquiera que haya visto esta película se ha preguntado al terminar de verla, cómo a lo largo de la historia se han cometido atrocidades de esta magnitud, asesinatos de este calibre, cómo pudo haber personas que realizaran estas masacres.

Aunque no se tiene un cifra exacta, se calcula que durante el Holocausto o Solución Final (terminología del Estado nazi) murieron más de seis millones de judíos. Además gitanos, soviéticos, eslavos, comunistas, discapacitados y homosexuales, entre otros, también perdieron la vida.

Gas venenoso, horcas, balas, hambre...fueron algunas de las despiadadas muertes que sufrieron muchas de las víctimas. Y todo por una aberrante ideología que consideraba que los judíos eran el origen de todos los males y establecía la supremacía, por encima de todas las cosas, de la raza aria.

Al menos, después de repasar capítulos de la historia como éste, pienso que en algo sí que hemos avanzado.

EL SEÑOR DE LA GUERRA

El director Andrew Niccol destacó en la cartelera del 2005 con su película EL SEÑOR DE LA GUERRA, película que desde un principio me pareció fascinante y que me hizo plantearme muchas cosas tras verla.

Yuri Orlov (Nicholas Cage) es un inmigrante ucraniano en Estados Unidos que decide, un buen día, dedicarse al tráfico de armas para hacer fortuna. Yuri lucha por conseguir todo lo que se le pone entre ceja y ceja. Su carácter pausado, educado, racional, le ayuda en sus negocios; y su habilidad para los idiomas y su temple, le hacen salir airoso en los peores momentos. Él tiene claras sus ideas y sabe que lo mejor para su negocio es mostrarse imparcial en todo conflicto para poder vender armas a ambos bandos. Su filosofía de “si no les vendo yo las armas, otro se las venderá” parece un intento desesperado de autojustificarse, aunque no parece que tenga remordimientos por las consecuencias de su negocio en ningún momento.

Nuestro traficante vende armas a los dictadores más sádicos de África, mientras mantiene una doble vida en la que ni su mujer ni su familia (sólo su hermano Vitaly) saben de su ocupación y miran hacia otro lado, a pesar del alto nivel de vida que mantiene, sin hacer preguntas. 

Casi desde el principio es perseguido por un idealista agente de la Interpol, Jack Valentine (Ethan Hawke) que busca poder encerrarle incesantemente, pero que no está dispuesto a burlar la ley para conseguir detenerle, debido a su extraordinaria integridad.

Cuando Gorbachov declara el fin de la Unión Soviética, se abre la veda para conseguir una cantidad ingente de armamento de estos nuevos países que aún no tienen gobierno ni lider, y es el momento en que Yuri aprovecha para tomar ventaja sobre sus competidores siendo el más rápido. 

El señor de la guerra denuncia estos hechos que se dieron tras el fin de la Guerra Fría en que sólo en Ucrania entre 1982 y 1992 se sustrajeron más de 32.000 millones de dólares en armas.

Es una película con moraleja, que desvela la hipocresía en la que vive el mundo.

“El mayor traficante de armas del mundo es su jefe, el actual Presidente de los Estados Unidos de América”. Extraordinaria verdad la que expresa esta frase de Yuri Orlov.

Resulta indignante su conclusión, siempre se ha dicho que el mal es algo necesario, pero cuando vi este largometraje me quedó aún más claro que las guerras son un gran negocio para todos, menos para sus víctimas. Gobiernos que se declaran como instauradores de la democracia en el mundo, son los primeros que juegan a vender armas para otras guerras y a los que les interesa que existan los traficantes para poder continuar su negocio, porque: sin armas en los dos bandos, no hay guerra y sin guerra no hay dinero.

Hace poco me enteré de que esta película está basada en un personaje real, Viktor Bout, “El mercader de la muerte”, cuya personalidad está bastante bien representada en la película por lo que he podido leer de él.

Bout niega ser traficante y dice dedicarse simplemente a transporte aéreo, pero hay datos que confirman que ha vendido armas al ex-dictador Charles Taylor de Liberia o a Bin Laden, al mismo tiempo que ha transportado alimentos para la ONU en otras zonas de África o tropas francesas para frenar la masacre de Ruanda . Es una persona, en este sentido, un tanto contradictoria.

Finalmente fue detenido hace un año y medio en un hotel en Tailandia y durante todo este tiempo Rusia y Estados Unidos han estado luchando por obtener su custodia, pero finalmente hace apenas un mes, el gobierno tailandés autorizó su extradición a EE.UU., decisión no exenta de críticas y de denuncias de presiones e ilegalidad.

8 LECCIONES SOBRE EL VACÍO CON FINAL FELIZ

Este documental es obra de la artista performance Marina Abramovic. Pertenece a una serie de trabajos que hizo la artista en Laos sobre Juegos Peligrosos en los que los protagonistas son inofensivos niños que el único juego que entienden y que conocen es el de la guerra. Representan los conflictos bélicos con tanta naturalidad, que a veces dan hasta escalofríos.

Con este video la artista serbia se cuestiona cuál es el impacto en la sociedad de las imágenes de la guerra y de la violencia que se muestran en la televisión, en el cine o en los video juegos, asimismo reflexiona sobre la realidad del mundo y en particular sobre la de los niños.

Ocho lecciones sobre el vacío con final feliz (Eight lessons on emptiness with a happy end) muestra la situación que sufren miles de niños en todo el mundo. Este documental nos muestra niños y niñas de Laos portando armas, en este caso son de juguete, y jugando a la guerra como si de cualquier juego inocente se tratara. En este caso se trata de una recreación en forma de “juego” para el documental, pero no debemos olvidar que en muchos otros lugares del mundo, los niños son raptados y obligados a llevar armas de fuego y se les obliga a utilizarlas para su propia supervivencia.

CIUDAD DE DIOS

Ciudad de Dios, dirigida por Fernando Meirelles junto con Katia Lund, es una película que relata el surgimiento y la consolidación del crimen organizado y el narcotráfico en Cidade de Deus, un suburbio violento de Río de Janeiro. La película está basada en una novela de Paulo Lins, basada en sucesos reales, que repasa la evolución de la delincuencia en esta favela a lo largo de tres décadas, desde los años 60 hasta los 80.

Una historia de rencores y envidias, de frustración y deseo, de enfrentamiento y violencia, de dolor y muerte, en definitiva, de desgraciada realidad. A lo largo de la película aparecen distintas tribus urbanas, de distintos comportamientos que acaban cayendo en la corrupción y que tienen en común las drogas como eje fundamental de su vida, ya sea como medio de supervivencia o como costumbre adictiva.

El film cuenta una historia cruda, terrible y de un horror tan diario y terrenal, como al mismo tiempo increíble y lejano para la mayor parte de los espectadores. Una serie de niños y jóvenes sesgan vidas y luchan por sobrevivir en medio una “ciudad sin ley”, en un mundo rodeado de muerte, donde la droga y las armas son las que mandan. Sin escapatoria, sin esperanza, el protagonista, Buscapé (un adolescente poco dispuesto a la violencia, al que le apasiona la fotografía) habrá de sobrevivir al desarrollo de ese mundo durante treinta años, a los amigos y enemigos que desaparecen y a los que permanecen. Buscapé termina retratando, como fotógrafo, esa misma realidad que le rodea.

En la película se aprecia una impunidad criminal desoladora, en un país que se cruza de brazos ante un imperio delictivo. Las buenas intenciones acaban fracasando por un nulo apoyo de la policía. La oposición que surge al narcotráfico acaba siendo consciente de su ineficacia. Una espantosa realidad en un mundo en el que los “héroes” son unos niños, asesinos, maestros de la delincuencia.

La película se estructura en tres partes: años 60, años 70 y años 80. Cada parte tiene su propio argumento y focaliza su atención en un personaje según su relevancia en ese determinado momento. Además, cada parte tiene su propio tratamiento estético, en el que intran en juego tanto la fotografía y la iluminación, como el montaje y la dirección, acompañados por ritmos musicales.

El carácter autóctono y el componente social e histórico de Ciudad de Dios muestran al espectador una dura y horrible realidad de las favelas brasileñas que a veces es desconocida por la sociedad. No sólo las circunstancias concretas que propician esta criminalidad le dan ese “toque” realista, sino que también el papel del reparto es determinante para ceñirse con acierto a su contexto. Los intérpretes son, en su mayoría, actores no profesionales, seleccionados para la ocasión, en su mayoría niños y adolescentes extraídos de distintas favelas brasileñas y, por tanto, conocedores de primera mano de la situación que recoge la película. Todo esto, permite apreciar la autenticidad en sus actuaciones y en muchos momentos, sobre todo entre los más pequeños, da la sensación de que no distinguen por completo cuándo están "jugando…” ante la cámara o cuándo están siendo ellos mismos como en su vida cotidiana, al margen del rodaje.

Es una película que nos muestra la “otra cara” de Río de Janeiro: un terrible “infierno” de drogas, violencia y crímenes organizados; frente al “paraíso” que tenemos en mente (por lo que nos ofrecen normalmente los medios de comunicación) de playas paradisiacas, samba, alegría… No sólo nos enseña una realidad desconocida, sino que también nos muestra otra forma de hacer cine, además, sudamericano, que es prácticamente desconocido, eso por no decir lo infravalorado que está.

Premio LUX 2010

Madrid está de suerte. Los cines Golem, Martín de los Heros nº14, proyectarán la película ganadora y las dos finalistas del premio LUX 2010 del Parlamento Europeo.

Tendrá lugar los días 17, 18 y 19 de diciembre y será totalmente gratuito. Aqui os dejamos el programa y seguro que merecerá la pena la asistencia:

- 17 de diciembre, "Die Fremde". LA GANADORA. Directora Feo Aladag. Nominada a los Oscar 2011.

Aborda los derechos de la mujer a través de la historia de una joven de descendencia turca que lucha por llevar una vida independiente en Alemania a pesar de la oposición de su familia.

Habrá un debate moderado por el periodista Javier Tolentino (RNE-Radio 3) con numerosas personalidades europeas.

- 18 de diciembre, "Illegal" de Masset-Depasse. Narra el recorrido de Tania, una mujer rusa, con su hijo de 14 años, a quien las autoridades belgas deniegan el asilo. La mujer trata de luchar por una vida digna a pesar de la amenaza de deportación con la que vive.

- 19 de diciembre, "Akadimia Platonos" de Tsitos. Plantea el debate de la identidad nacional y de la aceptación de la comunidad.

Todas serán proyectadas a las 20:00 horas.

Este galardón cinematográfico concedido por el Parlamento Europeo premia a las películas que ilustren la universalidad de los valores europeos, la diversidad de la cultura europea o traten del proceso de construcción de la Unión Europea. Su primera edición fue en 2007 y la estatuilla es un rollo de película cinematográfica que forma una torre de Babel, como símbolo de multilinguismo y diversidad.

VUELVE PIRATAS DEL CARIBE

Gloria Conde/ Ya podemos ver las seis primeras imágenes de la nueva entrega de la saga de Walt Disney Pictures y Jerry Bruckheimer, Piratas del Caribe 4: En Costas Extrañas. La película, dirigida por Rob Marshall, ha sido rodada en Hawai, Reino Unido y Los Ángeles y se estrenará en España el próximo 20 de mayo de 2011.

Las tres primeras películas de la saga recaudaron 2.700 millones de dólares y en España 75 millones de euros. Esta nueva entrega de Piratas del Caribe 4, será la primera que se rueda y se exhibe en 3D.

En cuanto a los actores, Johnny Deep vuelve a dar vida al Capitán Jack Sparrow por el que fue nominado al Oscar. Además, esta vez se encontrará con una mujer de su pasado Penélope Cruz, y será capturado por el Queen Anne's Revenge, el barco del terrible pirata Barbanegra (Ian McShane). También participa en la película interpretando a un pirata cómico Óscar Jaenada, el ganador de un Goya por la película Camarón.

Disney, que ya desveló hace meses algunos detalles, afirma que la trama de la película girará sobre la búsqueda de la fuente de la eterna juventud. Será, según la sinopsis oficial, un relato “lleno de acción” que tratará sobre “la verdad, la traición, la juventud y la muerte”.

Habrá que esperar hasta el próximo 20 de mayo para vivir de nuevo las aventuras del Capitán Jack Sparrow, que ya se prevé que será un éxito. Con estas primeras imágenes la expectación está servida.

BOWLING FOR COLUMBINE

“Bowling for Columbine” es un documental dirigido y protagonizado por Michael Moore en 2002. Este documental parte de la masacre ocurrida en el Columbine High School en 1999 donde un grupo de alumnos mataron a tiros a muchos de sus compañeros. Moore hace un análisis de la cultura armamentística de los Estados Unidos. Ganó el Óscar al mejor largometraje documental en 2002.

El carácter crítico del documental se aprecia desde la primera escena en la que comienza diciendo lo siguiente: “Era la mañana del 20 abril de 1999, una mañana cualquiera en Estados Unidos, el granjero atendía sus tareas, el lechero hacía su reparto, el presidente bombardeaba otro país de nombre impronunciable… sí, era un día típico en los Estados Unidos de América”.

Comienza mostrando que en un banco del país si abres una cuenta bancaria te regalan un arma, así de fácil, y sobre todo destaca la normalidad con lo que se hace y con lo que se ve este tipo de cosas. Es escalofriante ver cómo la supuesta potencia líder del mundo tiene tan normalizado el uso de las armas, ¿no se supone que ellos, una sociedad supuestamente avanzada, deberían mostrar al mundo que la violencia es algo inadmisible, sea como sea el tipo de violencia? Entonces, puedes obtener un arma por hacerte una cuenta bancaria, y es algo legítimo, y sin embargo una cantante enseña su busto es un concierto y es un escándalo nacional… creo que esto deja que pensar.

Uno de los miembros de la Milicia de Michigan, estado en el que nació Michael Moore y que tiene una gran tradición armamentística, dice: “Estar armado es un tradición norteamericana, es una responsabilidad americana, si no vas armado no eres responsable, ¿quién defenderá a tus hijos? Tu trabajo es protegerte a ti y a los tuyos, si no lo haces no cumples tus obligaciones como americano”.

El tiroteo llevado a cabo en Columbine fue una tragedia y conmocionó a todo el país. ¿Cómo unos adolescentes son capaces de eso? Eso se preguntaba todo el mundo. En el documental hace una entrevista a uno de los directores de una de las grandes fábricas de bombas y armas para el gobierno, y Moore le pregunta que qué ve de diferencia entre lo ocurrido en ese instituto y la cantidad de masacres que ha llevado a cabo el gobierno de Estados Unidos en otros países. Él dice que no ve nada de relación entre ambas cosas, que lo que hace Estados Unidos es defenderse del enemigo o supuesto enemigo. Me llama la atención lo de supuesto enemigo, ¿qué quiere decir?, ¿qué han atacado sin razón aparente? Se supone que el gobierno da la orden de bombardear un país o atacarlo porque es un enemigo y por ello, hay que salvar al pueblo estadounidense del enemigo, del malo. Ese es el lema patriótico que impera. Pero, ¿realmente es así, ataca Estados Unidos para defenderse o hay otros intereses que priman por encima de que miles de civiles mueran?

Este documental, como todos los de Moore, intenta quitarle el disfraz a esa sociedad americana que se ha querido imponer en todo el mundo como la ideal. Son 120 minutos que te hacen pensar, meditar y hacerte preguntas sobre la clase de mundo en la que vivimos.

Cine en español en Nueva York

Hoy empieza en Nueva York el ciclo Spanish Cinema Now donde se proyectarán unas 20 películas de nuestros directores nacionales.  

Este 2010, varias películas elegidas tienen como tema común la Guerra Civil Española. A veces se centran en la guerra y otras en el período inmediatamente después o incluso simplemente se ve la influencia en los modos de actuar de los personajes.

Los largometrajes los podréis ver en el Instituto Cervantes, el teatro Walter Reade o la Sociedad de Cine Lincoln Center. 

El Ciclo empieza hoy con Pájaros de papel, película de Emilio Aragón, Todo lo que tú quieras de Achero Mañas y Los ojos de Julia de Guillem Morales.

Pero hasta el día 23, podrán verse también:

• También la lluvia
• Chico y Rita
• El Gran Vázquez
• Secuestrados
• Balada triste de trompeta
• Caracremada
• El cónsul de Sodoma
• 80 Egunean
• Lope
• Guest
• En el balcón vacío
• Elisa K
• Aita
• Izarren Argia. Estrellas que alcanzar
  

El Spanish Cinema Now incluye un ciclo "EL OJO SALVAJE" en homenaje al director AGUSTÍ VILLARONGA con sus películas más aclamadas y reconocidas:

• PA NEGRE
• TRAS EL CRISTAL
• EL NIÑO DE LA LUNA
• EL MAR
• ARO TOLBUHIN: EN LA MENTE DEL ASESINO

Este Ciclo se empezó a celebrar en 1992, cuando el séptimo arte tenía una producción en nuestro país de unos 40 films por año.  Hoy día, se cuentan por cientos, aunque no todas tienen la misma promoción ni oportunidades, pero iniciativas como esta ayudan a promover nuestro cine, nuestros directores y actores, más allá de nuestras fronteras. E incluso promociona nuestra lengua ya que también se han incrementado las colaboraciones con el cine latinoamericano.

El periódico El Mundo recoge hoy esta noticia incluyendo las palabras del director de la Film Society, Richard Peña:"¿Para cuándo una sala en esta ciudad (Nueva York) que proyecte películas exclusivamente en español?". Nuestra lengua está en expansión y la ciudad americana con sus casi tres millones de habitantes hispanos debería plantearse seriamente esta posibilidad.

Tenéis hasta el día 23 para disfrutar del cine español en Nueva York, los que tenéis la suerte de estar allí. Pinchad aquí para ver los horarios de proyección.

THE TOWN, CIUDAD DE LADRONES

Gloria Conde/ El pasado 29 de octubre se estrenaba en España The Town, Ciudad de ladrones, estrenada un mes antes en Estados Unidos. The Town, es una película dirigida e interpretada por Ben Affleck, el cual comparte escena con otros actores como Rebecca Hall, Jeremy Renner o Blake Lively, una de las protagonistas de la serie estadounidense “Gossip Girl”.

Es la segunda película que dirige Ben Affleck, desde que en el año 2007 nos presentara Adiós pequeña adiós. La película está basada en la novela “The Prince of Thieves”, de Chuck Hogan .

El escenario de la película es Charlestown, un barrio de Boston conocido por ser el refugio a lo largo de los años de múltiples ladrones de bancos, oficio que pasaba de padres a hijos. Un grupo de ladrones encabezado por Doug MacRay (Ben Affleck) y Jem (Jeremy Renner), quienes se trataban como hermanos porque era lo más parecido que tenían a una familia, asaltaban entidades bancarias y presumían de hacerlo de forma limpia y sin dejar ningún rastro.

Sin embargo, todo cambió después del último atraco de la banda, donde Doug MacRay conocerá a Claire (Rebecca Hall), la directora del banco, a la cual escogen como rehén para poder huir. Cuando Doug descubre que Claire vive en Charlestown, comienza a buscarla para asegurarse de que es lo que había visto ella. Y así fue como tiene lugar un encuentro entre ambos en una lavandería, donde comienzan a hablar y Doug se asegura de que Claire no ha reconocido su voz.

Más tarde comenzará entre ellos un apasionado romance, sin que el resto de la banda tuviera conocimiento de ello, así como Claire tampoco sabía que era Doug el ladrón que había atracado unos días antes el banco para el que trabajaba. La historia se complica cuando el agente Frawley (Jon Hamm) del FBI, comienza a pisarles los talones, así como la banda descubre también el romance de Doug.

The Town, te sumerge en mundo de violencia, disparos, dinero, persecuciones policíacas y amor; que consiguen mantener “enganchado” al espectador los 126 minutos que dura la película.

Además crea un marco de acción en el que se ve como en muchos casos las situaciones familiares y personales de los delincuentes son las que determinan, en gran medida, que acaben dedicándose a este tipo de acciones. En el caso de esta película, el oficio del atraco habían sido heredado de los padres, quienes estaban en la cárcel o, por el contrario ya habían fallecido. Además de proceder de familias desestructuradas y de ver en los robos una forma fácil de ganar dinero, otras realidades sociales como las drogas están presentes en la película.

Sentimientos encontrados, decisiones difíciles y coraje envuelven este segundo film de Ben Affleck.